Sacrés caractères

Visuel de la websérie "Sacrés caractères" (2014)
Visuel de la websérie « Sacrés caractères » (2014)

Times New Roman, Garamond, Cambria, Arial : nous côtoyons et utilisons tous les jours des caractères typographiques sans nécessairement connaître leur histoire, pourtant si riche. À travers une websérie de douze films portant sur douze caractères, Thomas Sipp et Serge Elissalde retracent leurs origines et leurs évolutions, présentent leur créateur. C’est vif, drôle ou grave, et toujours inattendu.

Le premier épisode est à découvrir dès aujourd’hui. Proche des avant-gardes allemandes des années 1920, Paul Friedrich August Renner (1878-1956) créa le caractère Futura en 1928. Moderne et fonctionnel, il fut rejeté par les nazis qui lui préférèrent les lettres gothiques, selon eux plus germaniques, moins cosmopolites. Après la guerre, Futura fut utilisé par l’ONU et, en juillet 1969, pour laisser sur la lune un message à d’éventuels extraterrestres. Tissot, Louis Vuitton, Citroën, UHU, Red bull, Pay Pal et Canal+, entre autres, l’ont adopté.

Pour le second épisode de la série, il faut patienter jusqu’au 20 novembre 2014. L’ensemble de la série sera en ligne le 27 novembre. Le même jour et en préambule au « 24h autour du livre » qui aura lieu le lendemain, France Culture proposera, sur le thème de la typographie, un documentaire à 17h et un atelier de la création à 23h. N’hésitez pas, c’est épatant !

Talents contemporains

Photographie de Rahshia Linendoll-Sawyer, We Are Not Made of Wood (2012)
© Rahshia Linendoll-Sawyer, We Are Not Made of Wood (2012)

La Fondation Schneider, créée par François Schneider en 2000, s’est donné deux missions : aider les lycéens en situation sociale difficile et, dans le domaine de l’art contemporain, faire découvrir des talents inconnus et rapprocher le public des œuvres contemporaines. À cette fin, a été instauré un concours annuel qui distingue six catégories (dessin, installation, peinture, photographie, sculpture, vidéo) et porte sur le thème de l’eau. Le fait que la Fondation se situe à Wattwiller, ville du Haut-Rhin réputée pour ses eaux minérales, a-t-il orienté ce choix ? Quoiqu’il en soit, la Fondation nous convie jusqu’au 28 décembre 2014, à découvrir les lauréats de la seconde édition, celle de 2012.

Photographie de l'oeuvre de Valère Costes, Karstic Story (2012)
© Valère Costes, Karstic Story (2012)

L’eau est évoquée, représentée, fait partie du processus de création ou encore de l’œuvre. Par exemple, l’artiste Valère Costes, qui s’intéresse aux relations entre l’être humain et la nature et qui s’inspire de techniques scientifiques, présente Karstic Story et Dark Rain. Dans la première œuvre, il reconstitue, avec de l’eau, du plâtre et du sable, le processus de formation de stalactites. Dans la seconde, le passage du visiteur à côté de l’œuvre provoque une pluie ascendante.

Photographie de l'oeuvre de Valère Costes, Dark Rain (2012)
© Valère Costes, Dark Rain (2012)

The Cut de Jessie Brennan, Les Ruisselantes de Nour Awada ou encore Murs de Mehdi Meddaci : dans son écrin boisé, la Fondation Schneider invite à bien des découvertes…

« Talents contemporains », Fondation Schneider, jusqu’au 28 décembre 2014.

Quand l’expo vient à vous…

Vous ne pouvez pas vous déplacer ou, tout simplement, vous n’avez guère envie de sortir en raison de la fatigue ou de la grisaille ? Qu’à cela ne tienne, la Bibliothèque interuniversitaire de Santé prend soin de vous, grâce à une exposition virtuelle intitulée « Secrets de beauté : la cosmétique en France, à la croisée des sciences et des savoirs », qui intéressera petits et grands, amateurs de science, d’histoire, de cosmétique ou de luxe.

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Le propos s’articule autour de la question suivante : comment les progrès des sciences et des technologies ont contribué à bâtir l’industrie cosmétique française d’aujourd’hui, une filière de renommée internationale qui représente environ huit cents entreprises et soixante-dix mille emplois ? L’exposition retrace l’histoire des cosmétiques depuis l’Égypte antique jusqu’aux recherches de pointe les plus récentes en se concentrant sur les 18e-20e siècle. Elle s’appuie sur de nombreux documents et sur une iconographie extrêmement riche et originale. Les liens « en savoir plus » et une bibliographie sélective permettent d’en apprendre encore davantage, et la version en anglais de se (re)mettre à la langue de Shakespeare. Le glossaire est également le bienvenu. Enfin, précision d’importance, la navigation au sein de l’exposition est à la portée de chacun.

À vous faire regretter les journées ternes ?

« Secrets de beauté : la cosmétique en France, à la croisée des sciences et des savoirs », Bibliothèque interuniversitaire de Santé, exposition ouverte tous les jours à toute heure, entrée libre !

Dépêche : Transcaucase 2014

Photographie du Caucase de Frédéric Chaubin
© Frédéric Chaubin

Nous souhaitons vous informer d’une manifestation intitulée « Transcaucase 2014 », qui se déroule ces jours-ci, en plusieurs volets, . Il s’agit de partir à la découverte du Caucase, cette région à cheval sur l’Arménie, l’Azerbaïdjan, la Géorgie, la Russie et la Turquie, de plusieurs manières.

Vendredi 14 novembre à 19h30 : concert du quatuor à cordes Arpeggione qui interprétera des œuvres de Piotr Tchaïkovsky, Sergei Aslamazian, Dmitri Chostakovitch et Sulkhan Tsintsadze.

Lundi 17 novembre à 18h : projection du film Le Murmure des ruines (2013) de Liliane de Kermadec, suivi d’un débat en présence de la réalisatrice.

Du 3 au 28 novembre 2014 : exposition de photographies de Frédéric Chaubin.

Il faut remercier la Fondation Calouste Gulbenkian, l’Institut national des langues et des civilisations orientales (Inalco) et l’Observatoire des États post-soviétiques sans lesquels ce programme vraiment prometteur n’aurait pu voir le jour.

Très beau voyage !

Auditorium de l’Inalco, pôle des langues et civilisations, 65 rue des Grands Moulins, 75013 Paris, entrée libre. Pour en savoir plus : http://www.inalco.fr/actualite/transcaucases-2014

Immenses hommages à Jan Hoet

Photographie de l'oeuvre de Kris Martin "Altar" (2014)
Kris Martin, Altar, 2014 (© Kris Martin, photographie Arne Deboosere/Toerisme Oostende)

Au printemps 2013, la Ville d’Ostende invite Jan Hoet à concevoir une exposition sur le thème de la mer. Celui-ci accepte à la condition d’y travailler avec Philippe Van den Bossche, directeur du musée d’art moderne, le Mu.ZEE. À partir de l’été, les réunions se succèdent, d’une journée chaque fois. Elles sont préparées par Melanie Deboutte et Mieke Mels qui effectuent de nombreuses recherches et s’enquièrent des conditions de prêt des œuvres retenues. En février 2014, alors que l’exposition est en cours d’élaboration, « le pape de l’art contemporain » meurt ; une vague se brise, puissante, avant qu’une autre se forme. L’ancien bras droit de Jan Hoet, Hans Martens, rejoint l’équipe du Mu.ZEE et le projet est mené à son terme. Le salut d’honneur à la mer devient ainsi un salut d’honneur à Jan Hoet, et le visiteur est dès l’abord confronté à une toile empreinte d’une inquiétante étrangeté : Boot (2004) de Tim Eitel, semble-t-il inspirée de L’Île des morts (1880-1886) d’Arnold Böcklin. Traversant le fleuve Achéron, Charon conduit les ombres des défunts vers leur dernière demeure. Dans l’antichambre de l’exposition « De Zee » (La mer), le tableau réaliste ne laisse pas indifférent.

Photographie de Jan Hoet (octobre 2013)
© Arne Deboosere / Toerisme Oostende

Abandonnant tôt l’activité artistique et l’enseignement, Jan Hoet (1936-2014) consacre sa vie professionnelle au travail de commissaire d’exposition. En 1986 par exemple, « Chambre d’amis » remporte le prix de l’Exposition européenne de l’année. Le projet, qui consiste notamment à présenter des œuvres chez des particuliers, questionne à nouveau frais l’intérêt et les enjeux d’exposer l’art ailleurs que dans les musées et, plus largement, la relation entre l’œuvre et le lieu. En 1992, le commissaire est nommé directeur artistique de la « Documenta 9 », célèbre exposition d’art contemporain organisée tous les cinq ans à Kassel en Allemagne, et en 1999, il remporte une bataille de plus de vingt ans : le S.M.A.K., premier musée dédié à l’art contemporain en Belgique, ouvre ses portes à Gand. Il doit son existence autant au succès électoral de Jan Hoet aux élections communales qu’à la renommée internationale de celui-ci.

 

« Un musée a l’occasion d’accueillir des confrontations souvent contraires et d’offrir des contradictions. Tel est naturellement mon souhait. Réaliser une exposition claire, pour éventuellement ensuite amener le chaos. Pour tout remettre en question. Pour décoder. Car sinon, tout est simplement célébré. Un musée ne doit pas être dédié à la célébration, un musée doit être un lieu où tout est sans cesse remis en question [1]. »

L’exposition « De Zee » d’Ostende se présente ainsi en deux parties : à l’intérieur du Mu.ZEE et à l’extérieur, dans différents lieux de la ville. Les œuvres se heurtent ou dialoguent non seulement entre elles, mais également avec leur environnement.

Rassemblant environ trois cents œuvres de cent vingt-cinq artistes modernes ou contemporains, cette exposition thématique traite aussi bien de la mer que des plages, des bateaux, des ciel et horizon auxquels elle est associée. « Der Zee » laisse entrevoir la diversité, toute humaine, des représentations artistiques possibles d’un élément naturel qui, hier comme aujourd’hui, exerce une fascination, invite à la réflexion et à la contemplation. L’exposition prend pour point de départ la fin de l’académisme, avec ses marines aux tonalités volontiers dramatiques lorsqu’elles sont tempêtes ou naufrages, et donc le début du réalisme, avec un tableau en particulier.

Reproduction du tableau "La Vague" de Gustave Courbet (1869)
Gustave Courbet, La Vague (1869) (© SABAM Belgique, 2014)

« Il pensait alors plutôt aux œuvres d’art qu’aux métaphores ou illustrations de la mer, rapporte Phillip Van den Bossche en parlant de Jan Hoet. La première œuvre qu’il avait en tête était un tableau d’une vague, mais pas n’importe quelle vague : La Vague (1869) du peintre français Gustave Courbet. Jan Hoet regardait la toile sans histoire, la vague dans toute sa radicalité et c’est ainsi qu’il a élaboré le volet historique de l’exposition. Il cherchait toujours des “moments de crise”, des “œuvres magistrales”, de la Grande Marine (1895) de James Ensor pour sa lumière, à Océanie : la mer (1946-1947) d’Henri Matisse [présente dans la collection du père de Jan Hoet] et La Grande Casserole de moules (1966) de Marcel Broodthaers [2]. »

À côté de La Vague, le visiteur peut admirer Mer montée (2011) de Thierry De Cordier, une huile et émail sur toile où les proportions fort inégales entre le ciel et la mer donnent l’impression à celui qui regarde l’œuvre de faire corps avec l’eau. À quelques pas de là, Three Seascape (1827) de William Turner représente deux fois le ciel et trois fois la mer, et peut ainsi être retourné.

Vue de l'exposition "La mer" au Mu.Zee d'Ostende
© Steven Decroos
Vue de l'exposition "La mer" au Mu.Zee d'Ostende
© Steven Decroos

Charles-François Daubigny, Eugène Boudin, Henri Meunier, Félix Vallotton, Pierre Bonnard, Léon Spilliaert, Pablo Picasso, Nicolas de Staël, Roy Lichtenstein, Daniel Buren, Panamarenko, Marlene Dumas, Wim Delvoye : quels critères ont présidé au choix des artistes, à celui des œuvres outre leur état et leur lieu de conservation (donc le coût de leur transport) ? Quelles sont les œuvres explicitement retenues par Jan Hoet, celles évoquées au détour d’une phrase, celles commandées en son hommage ? Quelles décisions les commissaires auraient-ils pris, à deux, au moment de l’accrochage ? Parce que « Der Zee » est devenue la dernière exposition d’un homme, parce que la mise en rapport des œuvres semble fondée davantage sur des critères subjectifs que stylistiques ou techniques, on regrette de ne pas avoir assisté à l’élaboration du projet, à ces conversations dont un seul des locuteurs demeure. Aussi revient-il à chacun de faire dialoguer, selon ses connaissances mais surtout son esprit critique, son goût et sa sensibilité, les styles et les époques, naturalisme, cubisme, pop art, abstraction, les arts moderne et contemporain, de faire sienne cette rupture avec le parcours chronologique habituellement dévolu au musée, afin d’en sortir.

Parmi la trentaine d’œuvres exposées à l’extérieur, nous en évoquerons deux en particulier, parce qu’elles entretiennent une relation non seulement avec d’autres œuvres mais également avec les lieux dans lesquels elles se situent. À la fin de sa vie, le peintre ostendais James Ensor occupe la maison de son oncle et de sa tante dont il a hérité, au 27 rue de la Flandre. Il fait de l’entresol des pièces à vivre, du salon bleu son atelier, et conserve en l’état la boutique de souvenirs, qu’évoque d’ailleurs Guillaume Bijl dans son œuvre Schelpenwinkel De Zee (2014) exposée au Mu.ZEE.

Photographie de l'oeuvre de Joseph Grigely et Amy Vogel, Hop Frog (2005) dans la maison de James Ensor
Joseph Grigely et Amy Vogel, Hop Frog (2005) dans la maison de James Ensor (© Steven Decroos)

Parmi les poissons, coquillages, perles, jouets, cartes postales, masques et autres babioles toujours conservées au rez-de-chaussée, est présentée Hop Frog (2005) de Joseph Grigely et Amy Vogel. Les artistes proposent une interprétation de la toile d’Ensor intitulée La Vengeance de Hop Frog (1898), elle-même inspirée d’une nouvelle d’Edgar Allan Poe. Tout au long de sa vie, James Ensor nourrit son attachement à Ostende. Il y peint son autoportrait, l’intérieur de sa maison, des vues de la rue et, bien sûr, la plage, la mer, ce qui justifie la place importante accordée à ses œuvres dans l’exposition.

 

 

« Oui, belles dames et déesses, notre mer d’Ostende, humble et fidèle telle chienne marine, lèche et pourlèche vos pieds légers, elle aboie aussi aux lunes, elle caresse et renforce les mollets douillets molestés par le temps, écrit Ensor. Elle donne fraîcheur en canicule et chaleur au printemps. Elle résume toutes les mers, mer blanche, mer rouge, mer jaune, mer noire, mer des lunes et d’étoiles et trois cent soixante-cinq mille fois l’an quand la lune rit ou quand un nuage passe ou pisse, elle change de robe, de chemise et de tempérament [3]. »

Reproduction du tableau "Model in de duinen" de James Ensor (1882)
James Ensor, Model in de duinen (1882) © SABAM Belgique, 2014

Parce qu’elle rend hommage à Jan Hoet en évoquant sa foi et un des tableaux qu’il admirait, L’Adoration de l’Agneau mystique (1432) des frères Van Eyck, parce qu’elle réunit l’art de la Renaissance à l’art conceptuel, parce qu’elle prend la mer pour cadre comme pour objet, Altar (2014) de Kris Martin est sans doute l’œuvre la plus saisissante de « Der Zee ». Le cadre de métal ancré sur la plage d’Ostende, face à la mer, est une copie exacte du retable conservé à la cathédrale Saint-Bavon de Gand, où, en 2012, Jan Hoet monte une exposition sur le thème de saint Jean, exposition dont Kris Martin est l’un des initiateurs.

Photographie de l'oeuvre de Kris Martin "Altar" (2014)
Kris Martin, Altar, 2014 (© Kris Martin, photographie Arne Deboosere/Toerisme Oostende)

Le parc Leopold où flotte Le Bateau imaginaire (2005) de Franz West et Helmo Zobernig, le cinéma Capitole qui abrite The Arc of Ascent (1992) de Bill Viola, l’Hôtel Albert II, le Thermae Palace : une poésie se dégage d’Ostende, comparable à ces villes balnéaires surannées sinon que l’art, tant moderne que contemporain, s’y est pour un temps immiscé. L’exposition « Der Zee » ne peut voyager sans perdre en sens et en effet. Ostende possède une taille, une morphologie, une personnalité propres, la présence de la mer y est extrêmement marquée. Le front de mer, car c’est un front et non une promenade, accueille des œuvres contemporaines qui ne sont pas nécessairement les plus intéressantes mais dont le rapport au lieu interpelle, agit. Allez à Ostende. Laissez vos pas, vos sens et vos émotions vous guider. Il s’agit d’une expérience artistique unique, de ces moments rares de l’existence dont on ressort augmenté, durablement.

Photographie de Joseph Joseph Kosuth, The Location of Meaning, au Thermae Palace d'Ostende
Joseph Kosuth, The Location of Meaning, au Thermae Palace d’Ostende © Joseph Kosuth, photographie Hélène Bourguignon

Jusqu’au printemps, le chemin vers la mer et vers la « reine des plages » conduit aussi à l’art, et ceux venus pour Paul Cézanne repartiront peut-être avec l’envie de découvrir les photographies de Zoe Leonard, ou inversement. Les plus marqués et les plus convaincus se rendront au S.M.A.K. à Gand, s’ils ne longent pas la côte en direction de Dunkerque, où le Fonds régional d’art contemporain du Nord – Pas-de-Calais rend un hommage sensiblement différent. En tant qu’expert extérieur, Jan Hoet a participé à la constitution de la collection du Frac, qui possède grâce à lui un ensemble considérable d’œuvres d’Arte povera. L’exposition « Latin lovers » est consacrée à ce mouvement. À Dunkerque, comme à Ostende, « c’est la mer allée, avec le soleil [4] »

« La mer, salut d’honneur à Jan Hoet », Ostende, du 23 octobre 2014 au 19 avril 2015, un site Internet est dédié : http://www.dezee-oostende.be/fr ; « Latin Lovers », Frac du Nord – Pas-de-Calais, du 20 septembre 2014 au 29 mars 2015.

Trois publications permettent de mieux apprécier encore l’exposition « Der Zee » : un fascicule intitulé La Mer : salut d’honneur Jan Hoet, Ostende, 23.10.2014-19.4. 2015 est disponible au Mu.ZEE ; La Mer : salut d’honneur à Jan Hoet. Guide de promenade à Ostende, Gand, Borgerhoff & Lamerigts, 2014, 66 p., 7 € (très bien conçu et réalisé, il comprend, outre une biographie de Jan Hoet, des informations pratiques, une carte,  un « parcours » pour les enfants, et des explications concernant les œuvres exposées et les bâtiments historiques de la ville) ; le catalogue de l’exposition : Das Meer, The Sea, La Mer, De Zee : hommage Jan Hoet. Une exposition Jan Hoet & Phillip Van den Bossche, Gand/Ostende, Borgerhoff & Lamberigts/Mu.ZEE, 2014, 320 p., 45 €.

[1] La Mer : salut d’honneur Jan Hoet, Ostende, 23.10.2014-19.4. 2015, fascicule de l’exposition, p. 2.

[2] Phillip Van den Bossche dans La Mer : salut d’honneur Jan Hoet. Guide de promenade à Ostende.

[3] James Ensor, Mes écrits, Liège, Éditions nationales, 1974, cité par Norbert Hostyn, James Ensor : la collection du musée des Beaux-Arts d’Ostende, Gand/ Paris, Ludion/ Flammarion, 1999, p. 18.

[4] Arthur Rimbaud, « L’Éternité… », Vers nouveaux, 1872.

Place à l’abstraction !

Vue de la galerie Diane de Polignac depuis l'entrée.

L’année 2014 est placée sous le signe de l’abstraction, avec deux expositions des œuvres de Serge Poliakoff, au Musée d’art moderne de la Ville de Paris et au Musée Maillol ; deux autres, pas moins admirables, de Nicolas de Staël, l’une sur le nu au Musée Picasso d’Antibes, l’autre sur les lumières et les paysages au Musée d’art moderne André Malraux du Havre ; deux autres encore sur les époux Delaunay, Robert au Centre Pompidou et Sonia au Musée d’art moderne de Paris… ainsi qu’un accrochage d’œuvres d’Olivier Debré (1920-1999) à la galerie Diane de Polignac, à deux pas du Musée d’Orsay.

Nous vous invitons à pousser la porte de cette galerie pour découvrir une sélection d’œuvres réalisées entre 1950 et 1980, leurs couleurs et leurs tonalités, ces masses compactes qui surgissent, avant de disparaître lorsque l’artiste évolue vers des fonds plus fluides. L’équipe de la galerie, très accueillante, est à votre disposition pour toute information ou explication sur l’art d’Olivier Debré. Pour ceux qui souhaiteraient explorer davantage l’œuvre de cet artiste majeur, nous signalons qu’un Centre de création contemporaine – Olivier Debré, initié par la Direction régionale des affaires culturelles (DRAC), est en cours d’achèvement à Tours. Il aura pour vocation de présenter la donation Olivier Debré ainsi que de promouvoir la production artistique contemporaine. D’une surface d’environ 4 500 mètres carrés, il ouvrira ses portes l’an prochain. Dans le domaine de l’abstraction, 2015 ne sera donc pas en reste !

« Olivier Debré (1920-1999) », du 15 septembre au 14 décembre 2014, Galerie Diane de Polignac, 16 rue de Lille, 75007 Paris, du lundi au vendredi de 11h à 19h, entrée libre.

Au 12 rue Mallet-Stevens

Vu de l'exposition "Propos d'Europe 13" (Aurélie Cenno, courtesy Fondation Hippocrène)
Vue de l’exposition « Propos d’Europe 13 ». (Aurélie Cenno, remerciements à la Fondation Hippocrène)

Pourquoi cheminer, un jour d’automne, jusqu’à cette impasse située au creux du 16e arrondissement parisien ? Une première raison est qu’elle porte le nom d’un architecte et designer français dont la célébrité fut malheureusement posthume. Robert Mallet-Stevens (1886-1945) réalisa notamment le pavillon du tourisme pour l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 ainsi que de nombreuses villas, comme la villa Cavrois à Croix (Nord) (1929-1932) ou la villa Noailles à Hyères (1925-1933), monument national pour l’une, association soutenue par l’État et dédiée à la promotion de jeunes artistes pour l’autre. De 1926 à 1934, l’architecte édifia plusieurs hôtels particuliers rue Mallet-Stevens, dont un ensemble occupant les numéros 9 à 12. Au 10, se trouve l’ancienne maison-atelier des sculpteurs Jan et Joël Martel et, au 12, sa propre agence, remaniée après la guerre, qui abrite la Fondation Hippocrène et accueille, jusqu’au 20 décembre, une exposition d’art moderne et contemporain, soit les deux autres raisons de cette promenade automnale.

Martin Boyce "Eyes", 2012 (courtesy the artist and David Roberts Collection, Londres)
Martin Boyce, « Eyes », 2012.
(remerciements à l’artiste et à la collection David Roberts, Londres)

Créée en 1992 par Jean et Mona Guyot, la Fondation Hippocrène, reconnue d’utilité publique, a pour mission de renforcer la cohésion entre jeunes européens, en soutenant financièrement des projets qui visent à former les jeunes à l’Europe ou à étendre la place de l’Europe dans les médias. En 2002, elle a ainsi initié un programme d’expositions d’art contemporain intitulé « Propos d’Europe ». Chaque année sont présentées des œuvres d’artistes européens provenant d’institutions également européennes. Fruit d’un partenariat avec la Fondation d’art David Roberts située à Londres, « Le Musée d’une nuit (Script for Leaving Traces) » permet au visiteur parisien de découvrir une trentaine d’œuvres de la collection du mécène : Sur la plage (1926) de Tamara de Lempicka, dont Robert Mallet-Stevens conçut l’atelier au numéro 7 de la rue Méchain dans le 14e arrondissement de Paris ; Ady (1935-1939) de Man Ray, qui était un ami de l’architecte ; ou encore Eyes (2012) de Martin Boyce, artiste inspiré par les travaux non seulement des frères Martel mais également de Robert Mallet-Stevens, comme en témoigne la typographie utilisée à la fois dans l’œuvre exposée et pour le nom de la rue visible depuis la même pièce…

« Le musée d’une nuit (Script for Leaving Traces) », du 3 octobre au 20 décembre 2014, Fondation Hippocrène, 12 rue Mallet-Stevens, 75016 Paris, du mardi au samedi de 14 h à 19 h, entrée libre, livret de présentation.