Une partie de campagne

Xavier Mary, Silver Condenscend Structure XXL (2016)
Xavier Mary, Silver Condenscend Structure XXL (2016)

Après le cinéma, avec l’adaptation que Jean Renoir réalisa en 1936 en moyen métrage, l’art contemporain s’approprie le titre de la nouvelle de Guy de Maupassant initialement publiée en avril 1881 dans la revue littéraire La Vie moderne pour désigner une manifestation qui fêtait cette année sa septième édition. Si l’idée du titre revient à Benoît Pourcher, de la galerie Semiose, on doit ce qui devient un « événement » à Bernard Utudjian, de la galerie Polaris. 2011 et 2012 à Locquirec dans le Finistère, 2013 à Saint-Émilion, 2014 et 2015 à Saint-Briac-sur-Mer en Ille-et-Vilaine, 2016 et 2017 à Chassagne-Montrachet, en une alternance mer et vin : galeries françaises et étrangères s’installent dans un village le temps d’un week-end pour exposer des œuvres d’art contemporain et créer un moment d’humanité exceptionnel.

Cette année, onze galeries ont de nouveau répondu à l’invitation de la dynamique maire de Chassagne-Montrachet, Céline Dancer, et des viticulteurs bourguignons, l’interface étant assurée par l’artiste et mécène Emma Picard. Réjane Louin, de la galerie bretonne éponyme, eut ainsi la joie de retrouver son hôte qui lui exprima le souhait qu’elle investît un autre lieu, plus vaste comparé à celui de l’année précédente. Les œuvres transportées depuis leur galerie d’origine, encore fallait-il les installer ou les accrocher, souvent entre une cuve de fermentation et une table de dégustation. D’entraide en solidarité, les Bourguignons initièrent plus avant les habitués du white cube à la pierre de taille et aux arrière-plans de vignes…

En exposant des œuvres de Frédéric Bouffandeau, de Guillaume Moschini, de Claude Viallat, Florent Paumelle, de la galerie Oniris à Rennes spécialisée dans l’art abstrait, avait opté pour la couleur et pour le mélange des générations, tandis que la Danoise Maria Lund se révélait fidèle à son goût pour l’épure, en présentant notamment des papiers de l’artiste coréen Lee Jin Woo, venu avec son épouse, et des verres de Pipaluk Lake. La mairie de Chassagne-Montrachet fut également le lieu d’une performance de Mickaël Bordugo. De sa voix singulière, celui-ci déclama ses propres textes d’inspiration surréaliste, avant de diffuser une vidéo de sa création.

Lee Jin Woo, Sans titre
Lee Jin Woo, Sans titre (2017)
Pipaluk Lake, Framework II (2011)
Pipaluk Lake, Framework II (2011)

Parmi les artistes enthousiastes à l’idée de passer un week-end au vert, se trouvaient Marie Havel et Vanessa Fanuele, que représentaient respectivement la H Gallery et la galerie Polaris. Marie Havel, étoile montante de l’art contemporain, proposait un accrochage résumant bien ce qui devient son et une œuvre, caractérisée par la diversité des médiums employés (crayon graphite, flocage de modélisme, polystyrène) et marquée par l’histoire de sa région natale, la Picardie : un bunker détruit, intitulé Qui perd gagne, soulignait les ambivalences de la guerre, l’architecture d’une bâtisse en ruine apparaissait en négatif au moyen de la végétation qui l’a envahie, et l’idée de traces était également présente dans ses photographies d’un quartier en démolition où les maisons vouées à disparaître, grattées au papier de verre, suscitaient intérêt et interrogations.

Marie Havel, Le Ravin du loup 3 (2017)
Marie Havel, Le Ravin du loup 3 (2017)

Toujours au château de Chassagne-Montrachet, les mots « recouvrement » et « ossature » permettaient d’appréhender les peintures de Vanessa Fanuele. N’ayant pas pu résister à sa vocation d’artiste, cette architecte a commencé par peindre des tas d’os avant de prendre conscience qu’il s’agissait des lignes de force de projets à bâtir. À la Bourgogne, elle offrait deux univers à explorer : l’un centré sur les architectures objets que sont les panneaux publicitaires en trois dimensions, notamment marqueurs des paysages états-uniens, l’autre constitué d’architectures fictives aux titres allusifs qui, par là même, incitaient les regardeurs à faire appel à leur imagination et à projeter leurs sentiments : pour d’aucuns, une angoisse face à des cités d’un futur nécessairement inconnu. Vanessa Fanuele prolongerait-elle ainsi la chaîne de verre, cette correspondance secrète et mystérieuse qu’architectes, artistes et écrivains s’inscrivant dans le courant expressionniste allemand échangèrent de décembre 1919 à décembre 1920 autour d’une architecture visionnaire [1] ?

Peintures et sculptures de Vanessa Fanuele
Peintures et sculptures de Vanessa Fanuele

Bien d’autres œuvres étaient à découvrir, parfois en avant-première, telles les peintures que l’Anglais Alun Williams expose actuellement à Paris à la galerie Anne Barrault, et les temps et lieu prêtaient à l’approfondissement du regard comme des propos. Artistes, galeristes, collectionneurs, amateurs de tous horizons, mais aussi viticulteurs, habitants ou hôteliers des bourgs et villages voisins, par leur intérêt, leur passion pour l’art contemporain, en révélaient à la fois une facette contraire aux clichés et les ressources pour l’être humain. Venus l’esprit ouvert à la rencontre, ils échangèrent aussi bien autour d’un burger à l’époisses à l’ombre du food truck de Gilles Bidalot que lors d’un dîner aux chandelles généreusement arrosé par les viticulteurs de Chassagne-Montrachet et signé Édouard Mignot et Émilie Rey, du Ed Em, restaurant une étoile au guide Michelin.

À la fin de cette Partie de campagne, certains repartirent avec des caisses de vin, d’autres accrochèrent une œuvre acquise au coup de cœur ou après réflexion, tous empreints de rencontres, de savoirs, d’émotions, et impatients de connaître les dates et lieu de la prochaine édition, une Partie ne se jouant pas plus de deux ans de suite dans le même village…

Site de la manifestation : http://www.updcart.com/

[1] Sur ce sujet, on peut lire l’ouvrage de Maria Stavrinaki, La Chaîne de verre : une correspondance expressionniste, Paris, Éditions de la Villette, 2009.

Vidéos en tous genres

Vue de l'exposition HERstory (Malakoff, 2017)
Vue de l’exposition HERstory (Malakoff, 2017)

L’historienne d’art et commissaire d’exposition Julie Crenn et l’artiste Pascal Lièvre ont créé HERstory, « un espace où s’entrecroisent les paroles de femmes et d’hommes cisgenres, transgenres et intersexes pour en finir avec la trop simpliste binarité des genres », « un espace de réflexion, de paroles, d’échanges et de fabrication d’archives » [1]. Il s’agit de faire avancer, au moyen de l’art et des sciences humaines, les idées du postféminisme, courant qui soutient la pluralité des genres.

L’exposition « HERstory, des archives à l’heure des postféminismes », qui se tint du 21 janvier au 19 mars 2017 à la très agréable Maison des arts – Centre d’art contemporain de Malakoff, constitua les premiers temps et lieu de cet « espace ». Julie Crenn et Pascal Lièvre ont sélectionné, fait traduire, sous-titré et accroché vingt-six vidéos provenant du web, ainsi rendues accessibles à des regardeurs francophones.

De la conférence académique au clip militant, du neuroféminisme à l’intersectionnalité, du Canada à la Chine, se déploie tout un monde d’expériences vécues et de connaissances, comme en témoigne le glossaire aux soixante-seize entrées publié dans le livret qui accompagne l’exposition. Anarchaféminisme, féminisme prosexe, féminisme postcolonial, féminisme autochtone, genderqueer, lgbttqi2a (lesbiennes, gaies, bisexuelles, transsexuelles, transgenres, queers, intersexes, bispirituelles), entre autres, remettent en cause, s’il en est encore besoin, l’idée, affirmée par le féminisme traditionnel, d’un genre construit socialement distribué en deux rôles, féminin et masculin.

Vue de l'exposition "HERStory" (Malakoff, 2017)
Vue de l’exposition « HERStory » (Malakoff, 2017)

Autres temps et lieu, à l’étage de la Maison des arts, Julie Crenn et Pascal Lièvre ont constitué, grâce à la générosité de plus d’une vingtaine de maisons d’édition, une bibliothèque féministe qui intégrera le fonds de la médiathèque de Malakoff. Cette bibliothèque éphémère, sans cesse réagencée par les lecteurs, fut le cadre de trente-cinq échanges avec des artistes, telles Annette Messager et Tania Mouraud. Les captations des rencontres, comme les vidéos recueillies sur le web, sont diffusées en ligne, en attendant que les deux maîtres d’œuvre s’attellent à une HERstory 2, avec d’autres, et ailleurs.

« HERstory, des archives à l’heure des postféminismes », du 21 janvier au 19 mars 2017, Maison des arts – Centre d’art contemporain de Malakoff, 105 avenue du 12 février 1934, 92240 Malakoff, du mercredi au vendredi de 12h à 18h, les samedi et dimanche de 14h à 18h, 01 47 35 96 94, maisondesarts@ville-malakoff.fr, entrée libre.

Chaîne Youtube : https://www.youtube.com/channel/UCMjxRJc2pYwpW6nX-wxgR8Q

[1] Livret de l’exposition « HERstory, des archives à l’heure des postféminismes », du 21 janvier au 19 mars 2017, Maison des arts – Centre d’art contemporain de Malakoff. Sur la couverture est représenté un escargot, animal hermaphrodite, à savoir présentant des organes de reproduction femelle et mâle.

Hodler, Monet, Munch : un trio de l’insaisissable

Après Topor, Morellet, Spoerri… Ferdinand Hodler (1853-1918), Claude Monet (1840-1926), Edvard Munch (1863-1944), trois peintres, trois moyens parmi d’autres de les découvrir : écouter l’émission « Les regardeurs » que Jean de Loisy a consacré au premier en soulignant au passage combien donner à voir à la radio est une gageure, parcourir l’exposition « Hodler, Monet, Munch : peindre l’impossible » qui se tient jusqu’au 22 janvier 2017 au musée Marmottan à Paris, lire le remarquable texte du catalogue écrit par le commissaire Philippe Dagen.

Ferdinand Hodler, Le Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn (1904)
Ferdinand Hodler, Le Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn (1904)
© Collection Christophe Blocher
Ferdinand Hodler, Le Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn (1905)
Ferdinand Hodler, Le Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn (1905)
© Collection Christophe Blocher

En 1904 et 1905, Ferdinand Hodler réalise deux versions du Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn. La description puis l’analyse des tableaux conduisent Jean de Loisy et son invité Philippe Dagen à explorer la vie de ce peintre suisse méconnu en France, alors même qu’il signa en 1915 la pétition s’opposant à la destruction de la cathédrale de Reims et vit de ce fait ses œuvres décrochées en Allemagne. La lecture d’extraits de ses écrits et de ceux de ses contemporains Guillaume Apollinaire et Félix Vallotton enrichit un échange qui, par associations ou comparaisons, embrasse rapidement bien d’autres sujets.

Philippe Dagen a bâti l’excellente exposition au musée Marmottan sur une problématique qui permet d’apprécier l’étendue et la profondeur de ses connaissances en histoire de l’art : comment et pourquoi Hodler, Monet et Munch se sont-ils attachés à peindre les éléments insaisissables de la réalité que sont l’eau, la neige, le soleil, déclinables à l’infini ? Comme il le rappelle dans le texte du catalogue, impressionnistes, néo-impressionnistes et post-impressionnistes ont étudié le premier. Le deuxième constitue un motif plus rare, le troisième exceptionnel. Comme l’émission de Jean de Loisy, l’exposition présente Ferdinand Hodler au public français, ainsi qu’une variété peu habituelle d’œuvres du Norvégien Edvard Munch. La scénographie, épurée, concentre regard et attention sur chacun des tableaux, accrochés à même et juste hauteur. Elle parvient aussi à faire oublier que les espaces de cet hôtel particulier ne se prêtent guère aux expositions de cette envergure.

Monet, Hodler et Munch ne se sont jamais rencontrés. Ils sont en outre rattachés à des courants artistiques que l’on oppose souvent : impressionnisme pour le premier, symbolisme pour les deux suivants. Dès lors, pourquoi les avoir réunis, pour la première fois, en une même exposition ? S’ils sont de trois nationalités différentes, ils reçoivent une formation artistique et connaissent des débuts comparables. Ils appartiennent également aux mêmes époque et aire culturelle. L’Europe occidentale de la seconde moitié du dix-neuvième siècle et de la première décennie du vingtième siècle est marquée, concernant leur peinture, par le développement des moyens de transport et de communication, par la diffusion de la photographie et le succès du cinéma, par l’essor des sciences et des techniques, de l’électricité à la radiographie. Ils sont modernes en ce qu’ils renouvellent l’art de la représentation d’un monde qui, par sa modernité même, remet en cause leurs capacités et leurs pratiques.

Le développement des transports fait apparaître de nouveaux sujets en permettant aux artistes qui peignent sur le motif de se déplacer plus loin, mais aussi à une altitude plus élevée. Ainsi, alors que William Turner représentait les Alpes vues depuis les vallées, Ferdinand Hodler intitule l’un de ses tableaux L’Eiger, le Mönch et la Jungfrau au-dessus de la mer de brouillard (1908). Face à l’apparition de nouvelles manières de voir la réalité (photographie, cinéma, radiographie), les peintres, de plus, s’interrogent sur les facteurs de variation de la perception visuelle, les uns, qu’ils soient psychiques ou physiques, propres à l’artiste, les autres à son environnement : météorologie, saison, heure du jour ou de la nuit. Cette réflexion les conduit à élaborer une méthode artistique proche des sciences, fondée sur l’observation dans la durée et la sérialité. Ainsi l’exposition temporaire présente-t-elle cinq versions du Lac de Thoune et la chaîne du Stockhorn que Ferdinand Hodler réalise entre 1904 et 1913, et la collection permanente du musée comprend-elle quelques-unes des Cathédrale de Rouen peintes par Claude Monet.

Du sous-sol, consacré exclusivement aux tableaux de ce dernier, à l’étage où sont accrochés une trentaine d’œuvres de Berthe Morisot, dominent des sujets empreints de sérénité : fleurs et paysages, enfants et maternité, scènes insouciantes de cette vie quotidienne. Laquelle ? Celle, réelle ou rêvée, d’un milieu socioculturel ? Celle des années précédant la Première Guerre mondiale ? Un autre monde, d’autres arts.

Jean de Loisy, « Les regardeurs », France Culture, 23 octobre 2016, 59 minutes, https://www.franceculture.fr/emissions/les-regardeurs/lac-de-thourne-et-chaine-du-stockhorn-1904-de-ferdinand-hodler.

« Hodler, Monet, Munch : peindre l’impossible », du 15 septembre 2016 au 22 janvier 2017, du mardi au dimanche de 10h à 18h (nocture le jeudi jusqu’à 21h), Musée Marmottan, 2 rue Louis Boilly, 75016 Paris, 01 44 96 50 33, 11 €.

Couverture du catalogue

 

Philippe Dagen, Hodler, Monet, Munch : peindre l’impossible, Paris, Hazan/Musée Marmottan, 2016.

Au Centre culturel irlandais…

Façade intérieure du Collège des IrlandaisSitué non loin du Panthéon à Paris, le Centre culturel irlandais occupe les bâtiments de l’ancien Collège des Irlandais. À partir de 1578, celui-ci accueillit un nombre croissant d’étudiants dans le contexte de la Contre-Réforme et des restrictions affectant la formation des catholiques en Irlande. La Révolution française marqua le début du déclin de la communauté. En 2002, le Collège fut restauré et le Centre culturel inauguré.

 

Cour du Collège des Irlandais

Donnant sur une très vaste cour arborée, havre de paix au cœur de Paris, la médiathèque est une mine pour découvrir l’Irlande dans tous ses aspects : littéraire, politique, historique… Le Centre culturel comprend également une bibliothèque patrimoniale riche d’environ huit mille manuscrits et imprimés ainsi que les archives historiques du Collège des Irlandais dont certains fonds remontent au début du 14e siècle.

Le Centre culturel organise de nombreux événements et notamment des expositions d’art contemporain irlandais. Actuellement et jusqu’au 8 janvier sont présentées des photographies d’Hannah Starkey, « explorations des expériences et des observations quotidiennes de la vie urbaine au féminin », selon les mots de l’artiste reconnue internationalement. Dans l’exposition Women, des femmes souvent seules, qu’elles soient flâneuses, contemplatives ou rêveuses, sont mises en situation selon des compositions maîtrisées pouvant faire penser à des œuvres d’Edward Hopper. Deux éléments sont récurrents : les miroir et reflet, qui permettent des jeux entre l’abstrait et le concret ainsi qu’entre l’intérieur et l’extérieur, et la fumée, évocatrice du mouvement. Ces photographies témoignent d’une observation fine de la vie quotidienne.

 

Chapelle du Collège des Irlandais

Le Centre culturel offre ainsi la possibilité de se dépayser sans quitter la capitale. Notons que tous les dimanches, la communauté irlandaise de Paris se retrouve dans la chapelle historique pour y célébrer la messe autant que pour partager un moment chaleureux. Irlandais ou non, croyant ou non, chacun est convié.

Centre culturel Irlandais, 5 rue des Irlandais, 75005 Paris, 01 58 52 10 30.

Hannah Starkey, « Women », du 10 novembre 2016 au 8 janvier 2017 (fermeture du 24 décembre au 2 janvier), du mardi au dimanche de 14h à 18h, le mercredi jusqu’à 20h, entrée libre.

Hannah Starkey : Photographs 1997-2007, Göttingen, Steidl, 2008.

Les temps de Naoya

Naoya Hatakeyama, Le pont de l'espoir (2014)
Naoya Hatakeyama, Le pont de l’espoir (2014)

Pourquoi se permettre, pourquoi spontanément appeler un photographe de renom par son prénom ? Naoya Hatakeyama est accessible et sans prétentions. Surtout, son visage un brin facétieux ne laisse rien paraître du traumatisme qu’il a vécu il y a cinq ans, c’est-à-dire hier. Le tsunami qui frappa le Japon le 11 mars 2011 emporta quatre cents kilomètres de côte habitée, provoqua vingt mille morts, quatre cent mille sans-logement, et toucha la centrale Dai-Ichi de Fukushima. Les substances radioactives répandues ne perdront leur nocivité, semble-t-il, que dans un millier d’années. Mille ans. Pour Naoya, le tsunami, mars 2011, renvoie à un voyage d’une semaine en moto, de Tokyo, où il réside, à Rikuzentakata, sa ville natale, située à cent quatre-vingts kilomètres de la centrale nucléaire.

La seule solution est d’aller moi-même jusqu’à un endroit où je pourrai voir ce qui se passe. Mais le déplacement, c’est du temps. Il m’en faudra pour atteindre ce lieu. Sans doute plusieurs jours. Mais dans quelques jours, je devrais voir. Et je devrais comprendre. Ce qui est arrivé à ma ville, ma maison, ma famille, je devrais enfin tout comprendre. Mais pendant ces quelques jours, jusqu’à ce que je parvienne sur place, je reste sans rien voir. Je dois avancer sans rien savoir.

Pendant une semaine, Naoya est heurté entre bonnes et mauvaises nouvelles, vraies ou fausses, concernant ses proches, sa mère, ses sœurs. Qui croire ? Que croire ? Il est confronté aux problèmes d’approvisionnement, en essence notamment, aux destructions des routes, des ponts, il connaît cependant entraide et solidarité. Sans cesse, est-il contraint de décider, seul, entre se ménager et poursuivre son avenir dans un Japon enneigé, à travers ces paysages qui lui rappellent Pluie de mousson accumulées, si rapide le fleuve Mogami du poète Matsuo Bashô. Alors, tout au long de sa route, il photographie comme d’autres écriraient ou dessineraient, pour conjurer le présent. Une mère crue rescapée, en fait décédée. Son récit, ces « images hébétées » selon l’expression de l’écrivain Éric Reinhardt, ont été réunis dans un premier livre intitulé Kesengawa, du nom de la rivière Kesen qui parcourt son pays natal. Publié à l’été 2012 au Japon, une version française est parue un an plus tard.

Naoya Hatakeyama, Kensenchô-Atagoyama (2013)
Naoya Hatakeyama, Kesenchô-Atagoyama (2013)

En 2015, Naoya Hatakeyama retourne à Rikuzentakata, également titre d’un second livre qui sera suivi d’autres. Les clichés réalisés en état de choc ont laissé place à des photographies dont la dimension artistique apparaît à mesure, sans doute, que Naoya se répare. Désormais, il tente de saisir la disparition, l’évolution des paysages de son enfance. Dans les deux livres, les légendes disent l’essentiel : un lieu et, surtout, une date. Le 15 juin 2011 à Takatachô-Ôishioki, déjà, la vie quotidienne reprend : une personne court parmi d’innombrables carcasses de voiture. Le 11 mai 2013 à Kesenchô-Kanzaki, le ruban anthracite, vierge, de la route nouvellement créée se confond avec les étendues d’eau étale et de ciel gris-bleu. Le 24 novembre 2013 à Takatachô-Magarimatsu, paraissent un talus de gravier ou de gravats, une montagne naturelle et un remblai de construction, sous ce qui a l’allure d’une aurore boréale.

Cependant, d’un livre à l’autre, de la nécessité d’affronter un traumatisme en photographiant de manière compulsive au besoin de créer, de l’expression argentique d’un choc à celle d’une vie intérieure, le passage est lent. Il correspond au temps de la résilience. Il oblige celui qui veut apprécier les clichés de Naoya Hatakeyama à les observer subtilement, d’autant que les préférences du photographe, elles, sont inchangées : même appareil, même pellicule, même présence de la ligne d’horizon, du rapport entre le ciel et la terre, de la lumière de biais. À l’évidence, les clichés de Naoya Hatakeyama interrogent ainsi le temps, ou les temps, et l’art.

« Les aiguilles des montres ne plaquaient-elles pas simplement leur froide mesure sur cette réalité particulière, incomparable à quoi que ce soit ? » Le photographe a vécu avec effroi la suspension du temps, puis, de nouveau, ses effets sur le paysage. « Depuis une hauteur, si je regarde la rivière, la plaine d’où tout bâtiment a disparu, les montagnes, je suis bien obligé de penser un temps vertigineux, qui dépasse le temps de l’histoire humaine : le temps de l’histoire de la nature, qui se compte en milliers voire en dizaines de milliers d’années. »

Naoya Hatakeyama livre aussi ses pensées et, par là même, donne à réfléchir sur la photographie. Photographie témoignage, documentaire, journalistique, plasticienne, qu’a-t-il accompli ? Comment d’autres photographes s’étant également rendus sur place en mars 2011 ont-ils appréhendé la réalité qui s’est si soudainement et si brutalement imposée au monde et que Naoya Hatakeyama rappelle avec son expérience, ses idées et ses mots ?

Croire que la radioactivité existe, en avoir peur et la fuir en se sauvant de l’endroit où l’on se trouve, sont des décisions qui reposent uniquement sur des informations verbales et intersubjectives : s’il n’y a personne pour donner des informations et inciter à agir, les gens, sans rien savoir, restent sur place et meurent, nous dit-on. Face au nucléaire, l’humain doit renoncer à ses propres sens et se plier à l’argutie de quelqu’un d’autre qui soutient « qu’existe une réalité insaisissable ». Chacun est alors contraint à la faiblesse de la dépendance, ou plutôt même acculé à la résignation impuissante. Je me dis que la nécessité de se soumettre à cette humiliation, avant même l’effet des radiations, entraîne chez l’homme une blessure de sa dignité susceptible d’anéantir l’humanité.

À l’annonce du tsunami, raconte Naoya Hatakeyama, des photographes se sont empressés d’atteindre les lieux, de saisir le spectaculaire et le choquant, dans une attitude de complaisance ou d’extase. Ils considéraient la portée esthétique de leur travail, à la différence de lui : « Ce que je dis peut paraître irresponsable, mais tenter de comprendre [m]es photographies dans le contexte de l’art moderne, c’est-à-dire en évaluer l’intérêt “en tant qu’images photographiques” n’a plus aucune importance pour moi. » À cet égard, il ose une comparaison entre le photographe et l’embaumeur, métier auquel il est accordé de l’importance au Japon. L’embaumement permet de garder l’image d’une personne vivante en mémoire. Dans le contexte d’une catastrophe, donner une dimension esthétique à une photographie revient peut-être au même, quelle que soit l’appréciation morale que l’on peut porter sur cette action. Ainsi Naoya Hatakeyama semble-t-il juger moins le cliché et la manière dont il est réalisé que les motivations et les intentions de son auteur, parfois artiste, journaliste ou encore victime avant d’être photographe.

Depuis mars 2011, certaines personnes, sourdes à tout discours réfléchi, éprouvent le besoin de parler, leurs mots vides de sens ayant pour fonction non négligeable de sortir autrui de sa torpeur ou d’« entre-tenir » une relation avec lui. D’autres que ces propos insupportent, tel Naoya Hatakeyama, se taisent, en lutte avec la complexité. De même, certaines personnes veulent tout oublier, tandis que d’autres, tel le photographe, souhaitent garder en mémoire le passé, pensant que nul futur ne peut advenir sans ce dernier. Naoya Hatakeyama suit désormais l’évolution de Kesengawa alors que déjà se posait, dans cette région du Japon, le problème de la désertification des campagnes et des petites agglomérations, insuffisamment attractives pour les jeunes. Afin de contribuer à y remédier, Yohei Hatakeyama, réalisateur d’un film documentaire sur le photographe intitulé Esquisser le futur, a ainsi racheté le Toyogeki Movie, un cinéma des années vingt épargné par le tsunami. Un partenariat avec un cinéma du Quartier latin à Paris verra peut-être le jour.

Dans ces espoirs, un vécu demeure toutefois…

Depuis le grand séisme de l’est du Japon, tous les humains dans ce monde m’apparaissent comme des « survivants ». Entre rescapés, on s’encourage réciproquement, à « regarder devant soi », on se donne la main pour avancer ensemble, et cette chaleur est bien sûr plus importante que tout, mais « regarder devant soi » n’est pas une chose facile pour moi.

Couverture du livre "Kesengawa" de Naoya Hatakeyama

 

Naoya Hatakeyama, Kesengawa, La Madeleine, Éditions Light Motiv, 2013, 138 p.

 

 

Couverture du livre "Rikuzen" de Naoya Hatakeyama

 

Naoya Hatakeyama, Rikuzentakata, La Madeleine, Éditions Light Motiv, 2016, 128 p.

 

Yohei Hatakeyama, Esquisser le futur, Japon, 2016 (présentation du film ici).

Etel Adnan : créations et engagements

Etel Adnan, Voyage au mont Tamalpaïs (2008)
Etel Adnan, Voyage au mont Tamalpaïs (2008)
Courtesy Galerie Claude Lemand

Née à Beyrouth d’une mère grecque et d’un père syrien, Etel Adnan a vécu aux États-Unis et au Liban avant de s’installer à Paris. Si elle parle l’anglais, l’arabe, le français, le grec et le turc, elle a publié une quarantaine de livres en anglais et en français qui constituent son œuvre littéraire. Or à celle-ci s’ajoute, outre des réalisations pour le théâtre, une œuvre artistique qui, en dépit d’expositions régulières aux États-Unis, en France et au Liban depuis 1960, n’a été reconnue internationalement qu’à la documenta 13 en 2012. Il s’agit des hasards, des découvertes de la vie, ou d’une vie, celle d’Etel Adnan.

Etel Adnan, Sans titre (2012)
Etel Adnan, Sans titre (2012)
Courtesy collection privée Andrée Sfeir-Semler

Aussi quelle réjouissante et louable idée l’Institut du monde arabe a-t-il eu de consacrer une exposition monographique à ces huiles sur toile, dessins au fusain ou à l’encre de Chine, pastels et aquarelles, leporellos soit « livres-accordéons », pour certains inédits et où se mêlent peinture, sculpture de papier japonais et écriture. Formée à la seule école d’art de la vie, Etel Adnan réalise de petits formats, en une seule séance, dans un atelier qui n’est autre que son bureau d’écrivaine ou sa salle à manger.

Etel Adnan, La Montagne (2014)
Etel Adnan, La Montagne (2014)
Courtesy Galerie Claude Lemand

Nul objet, nul être vivant, pas même sa signature ne troublent des paysages aux couleurs pures, entre abstraction et figuration. À une évocation des peintures de Nicolas de Staël, à la force des lignes et des empâtements au détriment des détails, elle répond : « Je me retrouve dans cette conception, à cette différence près que de Staël fait s’entrechoquer les couleurs et que moi je les pose calmement l’une à côté de l’autre. » Il y a identité entre Etel Adnan et ses œuvres, c’est évident. D’ailleurs, elle ne dit pas autre chose : « Ces montagnes et ces mers sont mon autre visage, le plus durable et le plus constant. » Et, employant le même terme : « Il est probable que, si je n’écrivais pas, ma peinture prendrait un visage différent. » Visage pictural tout en couleurs, visage littéraire composé de guerres, celles d’Algérie, du Vietnam, du Liban.

Etel Adnan, Matinée récréative (2015)
Etel Adnan, Matinée récréative (2015)
Courtesy Galerie Lelong

Dans le premier espace de l’exposition est présenté le manuscrit de son célèbre poème intitulé L’Apocalypse arabe (1980), également lu en anglais par elle-même, en arabe et en français. Avec Beyrouth Express Enfer (1973) et Sitt Marie Rose (1978), il appartient aux écrits les plus engagés d’Etel Adnan en faveur de la paix.

« Que faire pour sortir du cercle de mort qui entoure le Moyen-Orient ? J’ai cru un moment que la solution était révolutionnaire. Mais la guerre civile au Liban m’a convaincue que les guerres font plus ajouter de nouveaux malheurs que résoudre des conflits. J’ai commencé à désirer la paix. La désirer fortement. C’est alors que la question s’est posée : quelle paix ? Que va vouloir dire cette paix ? J’ai compris que cette paix doit vouloir dire : accepter l’autre. L’ennemi qui est devenu au cours du temps réalité et mythe, corps et image. Dans ce cas particulier cela voudra dire aller chez l’autre et le laisser venir, l’accueillir. Ultimement, en faire un ami. »

Les trois espaces suivants sont dédiés à cet « autre visage » d’Etel Adnan. Aux montagnes, thème premier et cardinal de son œuvre, succèdent des paysages urbains, New York, Paris, Beyrouth, et, ultimement, deux tapisseries : Acrobaties printanières (1967-1970/2015) et Matinée récréative (2015). Le parcours de l’exposition reflète-t-il celui d’Etel Adnan ? Celui qu’elle a eu ou qu’elle aurait voulu avoir ? Une chose importe davantage : du fait de son expérience, son langage artistique et littéraire, compréhensible par chacun, touche à l’universel. Ses œuvres sont ainsi de celles que l’on aimerait acquérir, pour elles-mêmes et pour introduire et recevoir chez soi un vécu, une personnalité, à laquelle on associe volontiers les mots de multiculturalisme, de création et d’engagement.

« Etel Adnan. Une grande figure des arts : peinture, poésie, dessin, tapisserie… », du 18 octobre 2016 au 1er janvier 2017, du mardi au vendredi de 10h à 18h, samedi, dimanche et jours fériés de 10h à 19h, Institut du monde arabe, 1, rue des Fossés-Saint-Bernard, Place Mohammed V, 75005 Paris, 01 40 51 38 38, 5 €/3 €.

« Etel Adnan : le poème visuel », 1er décembre 2016 à 18h30, entrée libre : soirée en présence de l’artiste (table ronde, lectures, concert).

Ismyrne, 6 décembre 2016 à 19h, entrée libre : ciné-débat autour du documentaire sur Etel Adnan réalisé par Joana Hadjithomas et Khalil Joreige (2016, 50 minutes).

« J’aimerais contempler avec toi… »

« Ce tableau paraît très calme et il est très subtile, au sens commun du terme mais aussi au sens propre : il montre l’arrière de la toile, il montre l’envers de la peau, il montre à notre regard étonné ce qui se passe à l’intérieur quand cet homme très tendre touche cette femme très attentive, et il montre par un geste infime que cette femme aime être touchée, et il montre qu’elle le lui dit, en effleurant à peine sa main. »

Prix Goncourt 2011 pour son premier roman L’Art français de la guerre, Alexis Jenni a récemment écrit un livre à nul autre pareil. Devant son incapacité à exprimer le toucher de la peau aimée, il a décidé d’invoquer la peinture pour l’y aider. Une trentaine d’œuvres aussi différentes que le Ravissement de saint Paul de Nicolas Poussin et le Portrait de George Dyer à bicyclette de Francis Bacon lui permettent ainsi d’appréhender l’indicible.

« Toi, d’un trait », « La peau n’a pas de fin », « Vêtu de crépitements » : au fil de la lecture, toucher de l’aimée et toucher dans et de la peinture se dissocient pour finalement mieux se retrouver. Qu’il soit ou non voulu, l’effet est réussi. De façon plus ou moins subreptice, glisse-t-on du drap de la toile au drap du lit, du corps comme métaphore du tableau, ou inversement, tandis que texte typographié et autocitations manuscrites conversent, en une grande cohérence, avec les reproductions des tableaux et de certains de leurs détails.

Sans manières ni ostentation, Alexis Jenni livre son rapport aux œuvres, ses souvenirs, ses préférences, ses incompréhensions, de même qu’il décrit des moments de vie quotidienne partagés avec l’aimée. Sans mépris ni pédagogie, il fait voir, il apprend, dans les deux sens du verbe, soit à autrui et à lui-même. Pourquoi s’interdire de clamer son ignorance ? Pourquoi laisser à d’autres, considérés comme plus experts, le soin d’exercer un esprit critique ? Ces pages révèlent un auteur affranchi, sensible, humble. En témoignent les citations de Catherine Millet, Jean-Philippe Toussaint et Denis Diderot placées en exergue.

Dans l’attente de toi, dans l’attente, peut-être, de pouvoir écrire ce toucher qui te ferait exister, est une belle et originale idée. Il ne faut s’attendre à rien, il faut accepter de se laisser perdre. Telle une promenade de l’errance, la lecture respire, chemine, elle accorde le temps nécessaire au ressentir. D’ailleurs, les numéros des pages ont été habilement camouflés, comme si l’on eût voulu cette lecture infinie. Dans l’attente de toi est un livre que l’on aimerait offrir et se voir offrir, sans occasion particulière. Pour exprimer, simplement, pensée, proximité, gratitude envers chacun, le familier comme l’inconnu.

Couverture "Dans l'attente de toi" d'Alexis Jenni (2016)

 

Alexis Jenni, Dans l’attente de toi, Paris, L’Iconoclaste, 2016, 272 p., 22,50 €.

Une Rebecca saisissante

Rebecca d'Alfred Hitchcock (1940)
Rebecca d’Alfred Hitchcock (1940)

Orson Welles fut un homme de lettres et d’arts, de théâtre et de cinéma, mais aussi de radio. En 1938, il adapte le roman de science-fiction de H. G. Wells La Guerre des mondes (1898) sous la forme de feuilletons radiophoniques qui le rendent célèbre. Six semaines plus tard, le 9 décembre, il décide d’inaugurer son émission « The Campbell Playhouse » avec l’une des meilleures ventes de l’année, Rebecca, de Daphné du Maurier. Devant le succès de l’émission, le producteur David O. Selznick en envoie une copie à Hitchcock afin qu’il crée une version pour le cinéma. Rebecca obtient l’oscar du meilleur film en 1940.

Le 8 octobre 2016, au studio 104 de la Maison de la radio, France Culture renouvelait l’expérience, en adaptant le texte original de l’émission d’Orson Welles et en proposant une musique originale. Sur scène, l’Orchestre national de France interprétait la composition de Didier Benetti, dans laquelle se percevaient notamment des réminiscences aux partitions de Bernard Herrmann, compositeur et chef d’orchestre qui collabora de nombreuses fois avec Hitchcock. Des acteurs, derrière des microphones aux rendus différents, jouaient les personnages de madame et monsieur de Winter, madame Van Hopper, etc. À cet égard, assurant à la fois la voix off et la voix de la protagoniste, Melissa Barbaud était particulièrement convaincante. Dans le fond du plateau, entourée des accessoires nécessaires, Élodie Fiat reproduisait les bruits de vaisselle, de papiers froissés, de tiroirs ouverts puis refermés, la régie se chargeant de la mer, des moteurs de voiture, de l’orage, ainsi que des lumières. Certes l’atmosphère du roman gothique se prête à une telle adaptation, certes la musique possède une puissance émotionnelle considérable, mais cela n’amoindrit en rien la qualité d’un travail d’équipe dont le résultat fut saisissant, captivant.

En initiant les concerts-fictions en 2014, France Culture pariait que le roman radiophonique pouvait encore susciter l’enthousiasme non seulement de spectateurs accueillis dans les coulisses de la Maison de la radio pour une soirée plaisante et peu fatigante, mais également, quelques semaines plus tard, des auditeurs restés chez eux ou en déplacement. Comme Orson Welles l’avait supposé, il est possible de raconter des grands textes de la littérature à la radio, en une heure de temps. France Culture, selon les mots de Blandine Masson, responsable de la programmation, reconnaît l’héritage et le réinvente dans le but d’élever la fiction radiophonique au rang des beaux-arts. C’est audacieux, c’est réussi, merci !

La fiction radiophonique : Rebecca, Daphné du Maurier, samedi 26 novembre 2016, 20h, dans l’émission « Samedi noir ».

Le CD de l’émission Rebecca (1938), avec Margaret Sullavan dans le rôle titre et Orson Welles dans celui de Max de Winter, et accompagné du texte bilingue, est disponible chez Phonurgia Nova Éditions.

Couverture de Rebecca de Daphné du Maurier (1938)

 

Le roman : Daphné du Maurier, Rebecca, traduit par Anouk Neuhoff, Paris, Albin Michel, 2015.

 

 

Concert-fiction à venir à la Maison de la radio : Le Dernier Livre de la jungle, Yann Apperry et Massimo Nunzi, jeudi 1er décembre 2016, 19h, 8/15 €.

Concerts-fictions en réécoute et podcast sur le site http://www.franceculture.fr : Alice & Merveilles, d’après Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll ; Dracula de Bram Stoker ; Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad ; 20 000 lieues sous les mers de Jules Vernes.

« Nous sommes les hommes creux… » (T. S. Eliot)

Photographie de la carte d’identité de sauveteur-ambulancier de ZadkinE (3 octobre 1914)
Photographie de la carte d’identité de sauveteur-ambulancier de Zadkine (3 octobre 1914)
(Paris, archives du musée Zadkine, legs Valentine Prax, 1981)

Le chemin du musée Zadkine conduit au recueillement. Un étroit passage entre deux immeubles parisiens débouche sur une, puis des cours arborées. S’offrent alors, au hasard d’une intimité courbée, une sculpture de l’artiste russe, puis une autre. Le balancement des arbres dans le vent, la lumière à la fois chaude et pointue de l’automne pénètrent les vastes volumes de ce qui fut sa maison et ses ateliers à partir de 1928, à l’âge de quarante ans. Avant ? Il y eut surtout la guerre.

 

 

« L’heure est grave, tout homme digne de ce nom doit agir, se défendre de rester inactif. Toute hésitation serait un crime. Point de paroles, des actes. » (Blaise Cendrars, 1914)

Ossip Zadkine fut parmi les étrangers amis de la France qui se mobilisèrent. Engagé volontaire en janvier 1915, il rejoignit la Légion étrangère. D’abord infirmier, puis brancardier, il fut victime d’une attaque aux gaz vers le 10 décembre 1916, passant à son tour du côté des blessés, trois semaines allongé sur le ventre à vomir. Réaffecté à la fin du mois de février 1917, il fut renvoyé à l’hôpital dès le 19 mars et réformé le 7 octobre. Il eut le souffle court, le restant de sa vie.

Ossip Zadkine, Scène d’évacuation (1916)
Ossip Zadkine, Scène d’évacuation (1916)
© BDIC, musée d’histoire contemporaine © ADAGP 2016

De cette épreuve, il rapporta une trentaine de dessins dont il tira une vingtaine de gravures au cours de l’hiver 1917-1918. Ces œuvres sont réunies, pour la première fois, au musée Zadkine. Réalisées dans le dénuement, la soixantaine de compositions issues de la guerre témoignent non seulement de l’expérience vécue, mais également de ce que la création permet de catharsis et d’oubli.

Ossip Zadkine, Scène d’hôpital (1916)
Ossip Zadkine, Scène d’hôpital (1916)
© BDIC, musée d’histoire contemporaine © ADAGP 2016

Au fil des ateliers, se succèdent des scènes de cantonnement, de missions d’évacuation, d’hôpital, de retour à la vie. Défiant la perspective, Zadkine, comme d’autres artistes ayant également connu le front, efface toute individualité et souligne la raideur de corps dont on ne sait s’ils sont morts ou vivants. Il représente aussi des amputés, des gueules cassées hantant les bistrots ou errant dans les rues de la capitale à la recherche d’une issue, physique et psychologique.

Ossip Zadkine, Blessé descendant un escalier (1917)
Ossip Zadkine, Blessé descendant un escalier (1917)
© Musée Zadkine/Roger Viollet © ADAGP 2016

Ce sont ces « hommes creux » que l’écrivain Thomas Stearns Eliot dépeint en 1925 dans son poème The Hollow Men. Chris Marker s’en inspira pour réaliser en 2005 Owls at noon, Prelude : The Hollow Men. En écho aux dessins de Zadkine, ce montage photocinématographique d’une vingtaine de minutes présente en alternance des vers du poème et des images de victimes, femmes ou hommes, de la guerre. Sa puissance évocatrice est considérable.

Chris Marker, Owls at noon, Prelude : The Hollow Men (2005)
Chris Marker, Owls at noon, Prelude : The Hollow Men (2005)
Courtesy Chris Marker

L’exposition « Destins/Dessins de guerre » est un lieu. Un lieu de vie ou d’existence, un lieu de résurgence ou tout au moins de réémergence. La confrontation des œuvres, celle de Chris Marker avec les dessins de guerre, avec les sculptures postérieures d’Ossip Zadkine, permet de mieux saisir leur essence et leur style. Sans doute n’en serait-il en outre rien sans ces volumes, cet air et cette clarté, qui avaient déjà séduit l’artiste russe lors de sa première visite de l’atelier.

« Destins/Dessins de guerre », du 2 octobre 2016 au 5 février 2017, de 10h à 18h sauf le lundi, Musée Zadkine, 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris, 01 55 42 77 20, musée.zadkine@paris.fr, 7/5 €.

Couverture de "La Terre vaine et autres poèmes" de T.S. Eliot

 

 

Couverture de "Poésie" de T.S. Eliot

T. S. Eliot, Poésie, traduction de Pierre Leyris, Paris, Éditions du Seuil, 2003 ; id., La Terre vaine et autres poèmes, traduction de Pierre Leyris, Paris, Éditions du Seuil, 2014.

 

Couverture du catalogue de l'exposition "Destins/Dessins de guerre"

Catalogue de l’exposition : Véronique Koehler, Destins/Dessins de guerre, Paris, Éditions Paris Musées, 2016. Outre la reproduction des œuvres présentées et de diverses sources, ce catalogue au papier travaillé propose plusieurs études sur les sujets abordés dans l’exposition.

Dépêche : Sciences en vue(s)

Affiche du festival « Sciences en vues »Dans le cadre de la Fête de la science qui se déroulera du 8 au 16 octobre 2016, la Cité des sciences et de l’industrie organise les 8 et 9 octobre un festival pour tous âges où films et multimédias seront à l’honneur. Il se tiendra en trois lieux : à l’auditorium seront diffusés tout au cours des journées des films documentaires sur les arts et les sciences, l’astronomie, l’archéologie, l’environnement, les mathématiques… Deux projections-débats auront lieu à 17h. Au cinéma Louis-Lumière sont prévues des rencontres avec des créateurs et des producteurs de serious games. À la Bibliothèque des sciences et de l’industrie, des multimédias seront à disposition.

Couverture du livre 25 Découvertes pour les 25 ans de la Fête de la science

Dans le même esprit, à partir du 8 octobre, le livre 25 Découvertes pour les 25 ans de la Fête de la science sera présent dans les lieux de culture scientifique, les bibliothèques, les villages des sciences. En librairie, il sera offert pour tout achat d’un livre scientifique.

Films ou livre, deux occasions de savoir s’il est possible de faire de la voile dans l’espace…

Festival « Sciences en vues », 8 et 9 octobre 2016, Cité des sciences et de l’industrie, 30 avenue Corentin Cariou, 75019 Paris, http://www.cite-sciences.fr, entrée libre.

Livre 25 Découvertes pour les 25 ans de la Fête de la science, gratuit.