« L’Invention de Morel » ou l’image et ses réalités

Adolfo Bioy Casares, L'Invention de Morel (1940)En 1940, l’écrivain argentin Adolfo Bioy Casares (1914-1999), proche de Jorge Luis Borges, signe un roman qui le fait connaître : L’Invention de Morel. Au moyen de machines, un inventeur filme pendant une semaine les habitants d’une île à leur insu, puis projette ces images à un homme ayant entre-temps échoué. Celui-ci, pensant évoluer non dans un monde transposé mais dans la réalité, s’éprend d’une femme sans toutefois parvenir à communiquer avec elle. Il observe également de curieux phénomènes qui le conduisent à découvrir le subterfuge. Dès lors se posera à lui la question de vivre, en l’occurrence un amour, à la fois en image et en réalité.

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Réunissant des œuvres d’une douzaine d’artistes d’horizons variés (Leandro Erlich, Julio Le Parc, Stéphanie Solinas…), l’exposition « L’Invention de Morel ou la machine à images », présentée jusqu’au 21 juillet à la Maison de l’Amérique latine à Paris, n’illustre pas le roman : elle s’en réapproprie les réflexions sur la réalité des images, leur matérialité, sur le rapport de l’être humain à celles-ci, mais aussi sur l’immortalité ou encore l’éternel retour. Chaque artiste a œuvré à partir d’idées, de scènes, de personnages ayant retenu son attention. Miroirs, vitres sans tain, reflets spéculaires, hologrammes occupent une large place parmi les moyens utilisés pour travailler sur les images, leurs transformations ou réplications. Le visiteur est aussi régulièrement convié à interagir avec des images, voire à en créer.

Jean-Louis Couturier, Petit Verre vert (2016)
Jean-Louis Couturier, Petit Verre vert (2016)

Cette exposition, très convaincante par sa manière de penser la relation entre source d’inspiration et œuvres, témoigne de l’influence durable du roman d’Adolfo Bioy Casares sur les arts. Elle donne particulièrement envie de lire ou de relire cette Invention de Morel qui, en près de quatre-vingts ans, n’a pas vieillie.

« L’Invention de Morel ou la machine à images », du 16 mars au 21 juillet 2018, Maison de l’Amérique latine, 217 bd Saint-Germain, 75007 Paris, 01 49 54 75 00, du lundi au vendredi de 10h à 20h, samedi de 14h à 18h, entrée libre.

Au BAL, Diane Dufour révèle une humanité en suspens

Cette exposition est une tentative abstraite, poétique et fragile de traduire quelque chose de notre temps. Quelque chose d’indéfinissable, d’intangible mais que nous reconnaissons possiblement comme l’état d’un homme, de plusieurs ou de tous : être en suspens.

Par ces mots, Diane Dufour, directrice du BAL à Paris, introduit dans son nouvel espace, intellectuel et sensible, que reflètent les œuvres des quatorze artistes repérés, retenus. Femmes et hommes, de diverses générations, de bien des continents, représentants du monde humain dont il est question, ne traitent pas d’un sujet qui serait ce suspens, mais participent, au moyen de leurs créations, à sa définition. Chacune fable philosophique évoquant l’humanité, les œuvres mises en scène suscitent réflexions et interrogations sur des faits pris à l’actualité qui, par ces regards autres car d’artistes, deviennent anomalies, aberrations, origines d’une prise de conscience ou motifs de réaction.

 

Aglaia Konrad, Desert Cities (2008)
Aglaia Konrad, Desert Cities (2008) (© Aglaia Konrad)

Au cours des années 1970 et 1980, le président égyptien Anouar el-Sadat décida de la construction de villes nouvelles visant à déconcentrer Le Caire au profit de ses périphéries désertiques. En ruines sans avoir été habitées ni même achevées, les villes utopiques auxquelles Aglaia Konrad s’est intéressée illustrent une inversion du cours habituel des choses et témoignent d’une volonté politique irrationnelle ou tout simplement erronée : la vacuité des espaces peut renvoyer, par un jeu de l’esprit, à celles de décisions. En face de ces photographies est diffusée une vidéo dans laquelle Hiwa K, né au Kurdistan irakien, raconte l’histoire vraie d’un demandeur d’asile provenant de cette même région et qui, pour obtenir le statut de réfugié, mémorise le plan d’une ville située dans une zone de conflit dont il se prétend originaire. Une voix off dénonce l’absurdité et l’arbitraire des critères mis en avant par la bureaucratie, tandis que défilent les images d’une maquette de l’agglomération détruite. De ruines, de fiction, d’irréalité et de non-sens de la part d’une administration il est également ici question.

 

Debi Cornwall, série Beyond Gitmo (2017)
Debi Cornwall, série Beyond Gitmo (2017)
Hamza, Tunisien, près du fleuve Hron, Zvolen, Slovaquie, détenu à Guantánamo 12 ans, 11 mois, 19 jours, acquitté le 12 janvier 2009, transféré en Slovaquie le 20 novembre 2014, aucun chef d’accusation. (© Debi Cornwall/Steven Kasher Gallery, New York)

Au sous-sol du BAL sont reproduites quatre photographies en grand format de la série Beyond Gitmo (2014) réalisée par Debi Cornwall. Avocate défendant les droits civiques, elle a photographié, de dos en raison de l’interdiction de représenter les visages, d’anciens prisonniers de Guantanamo, autrefois détenus sans chef d’accusation avant d’être exfiltrés dans l’un des pays avec lesquels les États-Unis avaient conclu des accords. Libérés sans pour autant être libres, leur statut ambigu empêche, au sens fort, leur existence. Se situant à l’échelle non plus d’individus mais d’une société, Henk Wildschut a photographié selon de mêmes points de vue, à intervalles réguliers, le camp de Calais, depuis l’apparition de cette cité aux dix mille habitants, avec sa bibliothèque, ses lieux de culte, ses commerces, jusqu’à son effacement du paysage, les baraquements cédant la place aux herbes hautes. Simple en apparence, Ville de Calais constitue un remarquable documentaire.

 

Mélanie Pavy, photogramme extrait de « Go Get Lost » (2018)
Mélanie Pavy, photogramme extrait de « Go Get Lost » (2018) (© Mélanie Pavy)

À l’issue de l’exposition, trois vidéos diffusées côte à côte marquent d’autant plus profondément qu’elles interrogent l’être humain de manière universelle. En 2015, l’opérateur de la centrale nucléaire de Fukushima a envoyé au cœur du réacteur des robots afin d’y relever des données. À partir de ces enregistrements, Mélanie Pavy a réalisé Go Get Lost (2017), film qui illustre la « mort » des robots, ceux-ci ne résistant que quelques heures à la radioactivité. Si Stéphane Degoutin et Gwenola Wagon ont monté bout à bout des séquences dans lesquelles des robots sont également en train d’opérer, leur vidéo prend une tout autre dimension à la lecture de son titre : Le Monde comme entrepôt de livraison (2017). Dédales d’infrastructures anonymes, automatisation, manipulation, voire embouteillage et plastification donnent à penser sur nos sociétés. Ainsi l’entreprise chinoise SensTime a-t-elle développé un logiciel de reconnaissance faciale permettant une identification en temps réel : sur l’écran défile des Chinois évoluant dans un espace public, chaque visage est comparé à celui d’une personne condamnable pour avoir commis un crime, traversé en dehors d’un passage piéton ou manqué un cours à l’université. La Chine s’est fixé pour objectif de porter le nombre de caméras de surveillance sur son territoire de 176 à 600 millions d’ici trois ans. Cette dernière vidéo n’est pas une œuvre d’art, mais semble-t-il une alerte que Diane Dufour a voulu lancer, sans s’exposer.

Après s’être confronté à chacune des œuvres réunies, dont seules quelques-unes ont ici été évoquées, le texte d’introduction à l’exposition se révèle plus pertinent encore. Diane Dufour n’a pas scénographié des œuvres autour d’un thème ou d’une idée personnelle et de développements plus ou moins artificiels : elle est parvenue à appréhender, si ce n’est à saisir une notion autant qu’un état, « en suspens ». À cette réussite peut se mesurer, une fois de plus, l’excellence de son commissariat d’exposition et bien d’autres de ses talents.

« En suspens », du 9 février au 13 mai 2018, Le BAL, 6 impasse de la Défense, 75018 Paris, 01 44 70 75 50, contact@le-bal.fr, http://www.le-bal.fr, 6-4 €.

Le BAL propose une très riche programmation autour de l’exposition.

La Bourse du talent, dix ans déjà !

Youquine Lefèvre, série Far from home
Youquine Lefèvre, série Far from home

Jusqu’au 4 mars 2018 sont exposés à la Bibliothèque nationale de France, tout le long de l’allée Julien-Cain (puis du 7 juin au 30 juillet à la Maison de la photographie à Lille), les travaux des lauréats de la Bourse du talent. Organisée en quatre sessions annuelles, celle-ci récompense des photographes émergents selon les catégories du reportage, du paysage, du portrait et de la mode. Les œuvres distinguées intègrent ensuite les collections du département des estampes et de la photographie.

Sanjyot Telang, série Fashion Misfits
Sanjyot Telang, série Fashion Misfits

De la communauté japonaise des yakuzas aux combattants du Donbass, des enfants d’un foyer suisse à des jeunes atteints de trisomie 21, on soulignera la variété des esthétiques et des sujets traités tout en notant la récurrence d’un thème, celui des migrations. Les cartels de l’exposition, où s’expriment non seulement les artistes distingués mais aussi des membres des jurys et différents acteurs du milieu de la photographie, éclairent de manière très appréciable la quinzaine de clichés présentés par chaque lauréat.

Jean-Michel André, série Borders
Jean-Michel André, série Borders

Somme toute, voici une très agréable occasion de découvrir de nouveaux talents.

« Bourse du talent 2017 », du 15 décembre 2017 au 4 mars 2018, Bibliothèque nationale de France, quai François-Mauriac, 75013 Paris, du mardi au samedi de 10h à 19h, dimanche de 13h à 19h, entrée libre ; du 7 juin au 30 juillet 2018, Maison de la photographie à Lille, 28 rue Pierre Legrand, 59800 Lille, consulter le site pour les modalités de visite.

Couverture du catalogue "Fragilités"

Catalogue de l’exposition : Fragilités, préface et introductions de Didier de Faÿs et Héloïse Conésa, Paris, Éditions Delpire, 2017.

Émergente ou reconnue, l’Afrique au cœur de Paris

Nù Barreto, Immersion, submersion (2017)
Nù Barreto, Immersion, submersion (2017)
© Nù Barreto/Courtesy LouiSimone Guirandou Gallery

Du 10 au 12 novembre, au Carreau du Temple à Paris, a eu lieu la deuxième édition d’AKAA (Also known as Africa), foire internationale d’art et de design contemporains dédiée à l’Afrique. Jeunes professionnelles d’exception, Victoria Mann, fondatrice de la foire, et Salimata Diop, directrice de la programmation culturelle, avait réuni cette année 38 galeries représentant 150 artistes de 28 pays sur le thème de la guérison : « quand l’homme et la société sont malades, l’art panse et repense le monde » était le sujet proposé.

La foire présentait des équilibres appréciables : autant d’artistes émergents que d’artistes reconnus (Romuald Hazoumé, Monica de Miranda, Dominique Zinkpè), autant de galeries européennes ou nord-américaines qu’africaines (Afrique du Sud, Angola, Côte d’Ivoire, Éthiopie, Kenya, Maroc, Sénégal, Tunisie, Zimbabwe). Artistes ou galeristes, les femmes et les jeunes étaient au rendez-vous ; et la matière, qu’elle soit peinture ou sculpture, ainsi que la photographie dominaient. Le visiteur pouvait se confronter aux clichés humanistes de Patrick Willocq, aux œuvres de David Thuku qui, par ailleurs, dans le cadre d’un programme spécifique, aide de jeunes artistes kenyans à développer leur art, ou encore aux sculptures de Sokari Douglas Camp, si expressives quoique réalisées au chalumeau, sculptures à l’origine de la vocation de Victoria Mann.

Photographie de Franck Fanny
Photographie de Franck Fanny

Du point de vue du public, AKAA renouvelle la foire internationale d’art contemporain en plaçant en son centre la convivialité et la qualité des échanges. Par une pluie diluvienne de novembre, le visiteur gagnait la chaleur de l’Afrique en pénétrant dans un lieu à la fois lumineux grâce à la vaste verrière du Carreau du Temple, aux espaces parfaitement conçus et à taille humaine. Il pouvait parcourir les allées soit en vue d’acquérir une œuvre, soit comme les salles d’un musée : un audioguide était à sa disposition dont la bande-son est toujours accessible sur le site de la manifestation, une exposition faisait découvrir le design africain contemporain et un hommage au sculpteur sénégalais Ousmane Sow présentait notamment une Nouba qui se maquille (1984) inédite.

Au sous-sol également, se trouvaient une librairie de livres d’art, une boutique de vêtements Maison Château rouge – marque qui valorise l’artisanat de qualité du 18e arrondissement dans le cadre des Oiseaux migrateurs, « mouvement au service d’une Afrique entreprenante » –, un bar à jus de bissap, spécialité du Sénégal à base de fleurs d’hibiscus, un café où se rencontrer. AKAA propose en effet des ateliers, des conversations, des performances, des signatures, autant de moments d’art au cours desquels réflexions, émotions, décisions, engagements peuvent survenir, advenir, et ce dans n’importe quel domaine de la vie de chacun.

Œuvre de Yuri Zupancic
Œuvre de Yuri Zupancic

Enfin, il est réjouissant de voir la volonté et les efforts d’une jeune équipe très professionnelle ainsi aboutir : pensée jusque dans le moindre détail, AKAA figure déjà parmi les manifestations d’art contemporain incontournables et augure des perspectives prometteuses pour les artistes, les galeristes et les amateurs d’art. Comme le disait un visiteur à son épouse, accompagnés de leur deux jeunes enfants : « L’an prochain, on prévoira la journée… »

Site de la manifestation : http://akaafair.com/

Ces France de photographes (1984-2017)

Cyrille Weiner, série « La fabrique du pré » (2004-2014), Le cheval de trait de Roger des Près sur le Grand Axe (Nanterre, 2008) © Cyrille Weiner
Cyrille Weiner, série « La fabrique du pré » (2004-2014), Le cheval de trait de Roger des Près sur le Grand Axe (Nanterre, 2008) © Cyrille Weiner

La Bibliothèque nationale de France accueille jusqu’au 4 février 2018 une exposition magistrale : « Paysages français. Une aventure photographique, 1984-2017 ». En 1984, la Délégation à l’aménagement du territoire et à l’action régionale (DATAR) initie une mission photographique afin d’évaluer son action. De manière originale à l’époque, elle fait appel à des photographes en tant qu’artistes et créateurs pour travailler sur les paysages français. Par la suite, d’autres commanditaires, publics comme privés, du milieu de l’aménagement territorial comme de celui de la culture, se lancent dans l’« aventure » : le Conservatoire du littoral (1985-), l’Observatoire photographique national du paysage (1991-), la Mission photographique transmanche (1988-2005), Pôle image Haute-Normandie (2001-), Euroméditerrannée (2002-2009), France(s) territoire liquide (2011-2014), France vue d’ici (2014-2017), pour n’en citer que quelques-uns, définissent un territoire et un protocole avant de solliciter des photographes. À travers un millier de clichés de cent cinquante auteurs, déjà intéressants en tant que tels, l’exposition retrace une histoire des paysages français et une histoire de la photographie en France.

Sabine Delcour, série « Delta de la Leyre » (2006-2007) © Sabine Delcour/Mission photographique du Conservatoire du littoral
Sabine Delcour, série « Delta de la Leyre » (2006-2007) © Sabine Delcour/Mission photographique du Conservatoire du littoral

Raphaële Bertho et Héloïse Conesa, les commissaires, ont conçu un parcours chronothématique en quatre parties. « L’expérience du paysage » revient sur la mission de la DATAR qui dura quatre ans et à laquelle participèrent vingt-neuf photographes dont Raymond Depardon, Robert Doisneau, Suzanne Lafont et Sophie Ristelhueber. « Le temps du paysage » traite des années 1990, au cours desquelles est adoptée la loi sur le paysage (1993) et établie la Convention européenne du paysage (2000). Désormais considéré comme patrimoine, le paysage est l’objet d’une attention accrue : on le valorise et le documente, en témoignent les clichés de Sabine Delcour dans le delta de la Leyre, de Jean Bernard à La Réunion, d’Anne-Marie Filaire explorant le parc naturel régional du Livradois-Forêt. « Le paysage comme style » présente le passage vers une photographie accordant davantage d’importance aux aspects sociaux et économiques d’un paysage qui devient territoire, une photographie souvent plus engagée politiquement. Ainsi Baptiste Schmitt saisit-il la désertification des campagnes et Jürgen Nefzger les conséquences du développement de la consommation de masse. Enfin, se distinguant par une scénographie également très réussie, « l’être au paysage » est consacrée au projet France(s) territoire liquide dont le caractère collectif s’estompe au profit de la singularité des regards. Les œuvres dénotent alors plus encore une photographie plasticienne et confirment le dynamisme de l’art photographique, en perpétuel renouvellement. Ces quatre parties sont ponctuées par trois focus, sur les grands ensembles, les lieux du travail et les no man’s lands. Tout au long du parcours, la qualité de l’accrochage, qui prend en considération à la fois les problématiques évoquées et l’autonomie des œuvres, contribue de manière fondamentale à l’intelligibilité et à la sensibilité de l’exposition.

 

Alain Bublex, série « Plan voisin de Paris » (2004-2015), V2 Circulaire Secteur A23 (2013) © ADAGP, Paris 2017/Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris
Alain Bublex, série « Plan voisin de Paris » (2004-2015), V2 Circulaire Secteur A23 (2013)
Alain Bublex prend au pied de la lettre l’une des propositions de Le Corbusier dans le Plan voisin (1925) de faire traverser Paris par une artère de grande circulation. Il met alors en images l’une de ses conséquences possibles : le déplacement de l’activité résidentielle et économique vers le boulevard périphérique. Il propose ainsi une inversion des pôles, prenant le contre-pied la projection de l’architecte tout en la respectant fidèlement. (© ADAGP, Paris 2017/Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris)

Au cours des années évoquées, les photographes en mission travaillent l’argentique ou le numérique, le noir et blanc ou la couleur, avec un téléphone portable ou une chambre photographique, voire des techniques anciennes comme le calotype. À la fois outil d’analyse et œuvre à part entière, chaque cliché résulte de la rencontre entre deux singularités : celle d’un paysage ou d’un territoire et celle d’un regard ou d’un style. Si la diversité des photographies oblige à nuancer des oppositions souvent formulées, telles qu’entre l’esthéthique et le documentaire, l’exposition met en évidence l’émergence d’une nouvelle écriture au moyen de divers protocoles à partir des années 1980 : le reportage en vue d’inventaire laisse la place à l’expérience personnelle dans la durée ; le pittoresque et le sublime, au quotidien ; l’immutabilité, aux changements, le rapport à l’espace impliquant ici un rapport au temps, nécessairement moins géologique qu’humain.

À  quoi reconnaît-on un paysage français ? Si la France partage la nature des pays tempérés, elle hérite d’une physionomie particulière, variée, dont témoignent des sites comme le mont Blanc, la dune du Pyla ou les falaises d’Étretat, et les Français, eux, modèlent leur territoire, des champs de lavande aux panneaux routiers. Au-delà des diverses lectures possibles, de l’histoire de l’art à la sociologie en passant par l’aménagement du territoire ou la philosophie, l’exposition ouvre de stimulantes pistes de réflexion. En particulier, elle incite à définir les paysages de demain, donc des manières de vivre : conifères ou feuillus ? Haies habitées ou vastes étendues ? Pré, champ ou bitume ? Cheminées nucléaires, panneaux solaires ou hélices à tous vents ? Il revient à chacun, et à tous, de penser et d’agir.

« Paysages français. Une aventure photographique, 1984-2017 », du 24 octobre 2017 au 4 février 2018, Bibliothèque nationale de France, quai François-Mauriac, 75013 Paris, du mardi au samedi de 10h à 19h, dimanche de 13h à 19h, 11/9 €.

Autour de l’exposition à la Bibliothèque nationale de France

Conférences sur l’exposition : les jeudis 9, 16, 23 et 30 novembre, 7 et 14 décembre 2017 de 12h30 à 14h, salle 70.

Colloque « La France de face et de profil », 17-19 janvier 2018 (programme en ligne).

Visites commentée de l’exposition par des photographes exposés : les jeudis de 18h30 à 20h, renseignements et inscription au 01 53 79 49 49 ou visites@bnf.fr.

Diffusion de trois courts métrages le 28 novembre 2017 de 12h30 à 14h, petit auditorium.

Dans des galeries d’art

Thibaut Brunet, Frédéric Delangle, Marc Lathuillère, Michel le Belhomme, « France augmentée », du 27 octobre au 23 décembre 2017, galerie Binôme, 19 rue Charlemagne, 75004 Paris.

Noémie Goudal, du 26 octobre au 2 décembre 2017, galerie Les Filles du Calvaire, 17 rue des filles du Calvaire, 75003 Paris.

Thierry Cohen, Xavier Dauny, Sabine Guédamour, Jens Knigge, Olivier Mériel, Jacques Pugin, Nikolas Tantsoukes, « Paysages photographiques : réinventer le réel », du 24 octobre au 25 novembre 2017, galerie Esther Woerdehoff, 36 rue Falguière, 75015 Paris.

Aurore Bagarry, « Glaciers II : inventaire photographique des glaciers alpins », du 24 octobre au 2 décembre 2017, galerie Sit Down, 4 rue Sainte-Anastase, 75003 Paris (sur rendez-vous).

Émile Vialet et Jean-Philippe Carré-Mattéi, « France(s) Territoire Liquide, mission photographique sur le paysage français », du 9 au 30 novembre 2017, galerie Schumm-Braunstein, 9 rue de Montmorency, 75003 Paris.

Édith Roux, du 9 novembre au 16 décembre 2017, galerie DIX9, 19 rue des Filles-du-Calvaire, 75003 Paris.

À la Cité de l’architecture et du patrimoine, 7 avenue Albert-de-Mun, 75116 Paris : tables rondes sur le thème du paysage les 15 novembre à 19h (« Paysages de l’inhospitalité ») et 13 décembre à 18h30 (« Photographie et projet de paysage »).

Au Centre des Récollets, 150-154 rue du Faubourg-Saint-Martin, 75010 Paris : journée d’études le 18 novembre (« Quel avenir pour la commande publique de photographie en France ? »).

Jean Rouch, innovateur d’une ethnographie et d’un cinéma

Jean Rouch filmant (Ghana, 1954) (BnF, département des manuscrits) © Jocelyne Rouch
Jean Rouch filmant (Ghana, 1954) (BnF, département des manuscrits) © Jocelyne Rouch

Les anthropologues me considèrent comme un cinéaste et les cinéastes comme un anthropologue. Mais étant gémeaux de naissance, je peux sans difficulté me tenir en deux endroits en même temps [1]. (Jean Rouch)

Deux endroits, et même davantage. Fils et neveu de collaborateurs de Jean-Baptiste Charcot, l’explorateur des terres antarctiques à bord du Pourquoi pas ?, Jean Rouch (1917-2004), enfant, découvre de nombreux pays, avant de vivre son adolescence à Paris, de devenir ingénieur diplômé de l’École nationale des ponts et chaussées et de diriger des chantiers pour le compte du ministère des Colonies. En 1941, au Niger, plusieurs des manœuvres Songhay qu’il emploie meurent foudroyés. Le rituel de possession qui est alors organisé et auquel il assiste décide, selon lui, de sa vocation d’ethnographe. Après la guerre, Jean Rouch effectue, avec ses amis Pierre Ponty et Jean Sauvy, la descente du fleuve Niger, soit 4 200 kilomètres, une première distinguée par le prix Liotard du Club des explorateurs. Sa thèse de doctorat soutenue, il entame dès 1947 une carrière de directeur de recherche au Centre national de la recherche scientifique pendant laquelle il renouvelle non seulement l’ethnographie mais aussi le cinéma documentaire et de fiction.

Berlin détruit cherche le péché, et l’on danse dans ces maigres lieux où l’on s’enivre d’eau dentifrice, et l’on dort dans les lits du hasard [2]. (Jean Rouch à propos de son film Couleur du temps : Berlin, août 1945)

Présentant le riche parcours et l’œuvre de Jean Rouch, la remarquable exposition qui se tient jusqu’au 26 novembre à la Bibliothèque nationale de France, conçue avec le Centre national du cinéma et de l’image animée, se compose de deux parties : dans l’allée Julien Cain, seize grands panneaux thématiques allient textes et images d’archives, souvent inédites, tandis que des films de l’ethnographe sont diffusés sur des écrans ; dans la galerie des donateurs, journaux personnels, cahiers de dérushage, plans de mixage, scénarios, correspondances, rapports de mission, tirés à part d’articles, mais aussi plaques de verre, bandes magnétiques, magnétophones, sans oublier la première caméra de Jean Rouch, achetée au marché aux Puces, révèlent comment l’ethnographe-cinéaste a réalisé ses films. Si l’exposition célèbre le centenaire d’une naissance, elle est aussi l’aboutissement d’un travail de collecte, d’inventaire et de restauration qui a duré dix ans. Aujourd’hui, le fonds Jean Rouch comprend, outre des documents, 180 films et plus de 25 000 photographies, l’ensemble faisant l’objet d’une publication très précieuse (avec quelques déséquilibres) : Jean Rouch, l’Homme-Cinéma : découvrir les films de Jean Rouch.

Cela ne fait pas un film, c’est juste la description d’un événement [3]. (Jean Rouch à propos de rushes sur la fête harriste à Bregbo)

Jean Rouch apprend l’ethnographie auprès de Marcel Griaule qui l’initie à la culture des Dogon et, dans une moindre mesure, de Théodore Monod qu’il côtoie notamment à Dakar. Le Niger du peuple Songhay, le Mali des Dogon et Accra, la capitale du futur Ghana, constituent ses principaux terrains de recherche ; et les transes, les possessions, les rituels de purification, leurs fonctions de régulation, mais aussi les gestes de la vie quotidienne, ses principaux objets d’étude, pour lesquels, d’ailleurs, l’emploi d’une caméra se justifie tout à fait. Il est ainsi l’un des premiers, avec Georges Balandier, à s’intéresser aux villes côtières, lieux d’hybridation culturelle du fait de la présence de nombreux migrants. Dès 1954 toutefois, Jean Rouch s’affranchit des théories et des méthodes alors en usage chez les ethnographes, fondées sur le principe d’une description objective, généralement écrite. Pour montrer la relation d’empathie qu’il entretient avec les personnes observées, les commissaires de l’exposition ont conçu une mosaïque de portraits photographiques dont les sujets regardent, tous, son objectif. Cette subjectivité, associée à une approche réflexive – par exemple sous la forme d’une mise en abyme, comme dans La Chasse au lion à l’arc (1965) où sont narrés non seulement la chasse mais également le tournage, ou sous la forme d’une inversion des regards comme dans Petit à petit (1968-1971) où un ethnologue africain étudie le physique des Parisiens –, est à l’origine de l’anthropologie partagée ou participante, à savoir certes une science mais aussi une expérience avec les individus étudiés. Jean Rouch est parmi les premiers ethnologues à pratiquer le feed-back. Il convie les personnes qu’il a filmées à la projection de ses documentaires et leur laisse la possibilité de commenter et donc de modifier leur représentation d’elles-mêmes, ces réactions devenant à leur tour objet de recherche. Autre témoignage et peut-être aboutissement ultime de cette anthropologie renouvelée, la ciné-transe que conçoit Jean Rouch renvoie à la communion de l’ethnographe-cinéaste avec les possédés qu’il est en train de filmer.

Jean Rouch n’a pas volé son titre de carte de visite : chargé de recherche par le Musée de l’homme. Existe-t-il une plus belle définition du cinéaste ? (Jean-Luc Godard)

Rouch, c’est le moteur de tout le cinéma français depuis dix ans, bien que peu de gens le sachent. (Jacques Rivette)  [4]

Si, attiré par le surréalisme, le jeune Jean Rouch découvre les collections ethnographiques du Musée de l’homme inauguré en 1937, il fréquente aussi la Cinémathèque française fondée un an plus tôt, et notamment les œuvres de Jean Eptstein, Luis Buñuel et Jean Vigo. En 1949, il obtient pour Initiation à la danse des possédés le grand prix du court métrage au Festival du film maudit de Biarritz créé par Henri Langlois, l’un des fondateurs de la Cinémathèque, et Jean Cocteau. Il est dès lors considéré par les cinéastes, qui lui décernent entre autres le grand prix de la Biennale internationale de Venise pour Les Maîtres fous (1957), le prix Louis Delluc pour Moi, un Noir (1959), le prix de la Critique au Festival de Cannes pour Chronique d’un été (1961) réalisé avec Edgar Morin, le Lion d’or à la 26e Mostra internationale d’art cinématographique de Venise pour La Chasse au lion à l’arc (1965), le grand prix international de la paix au Festival de Berlin pour Madame l’eau (1992-1993). Sa démarche réflexive ou encore sa technique de la caméra à l’épaule inspirent les réalisateurs de la Nouvelle Vague, ainsi de François Truffaut pour la fin des Quatre Cents Coups (1959) et de Jean-Luc Godard pour À bout de souffle (1960) qui faillit s’intituler « Moi, un Blanc ». Jean Rouch réalise en outre l’un des épisodes du film collectif Paris vu par… (1965), manifeste revendiqué de la Nouvelle Vague qui réunit Claude Chabrol, Jean Douchet, Jean-Luc Godard, Jean-Daniel Pollet et Éric Rohmer. Cependant, à ses yeux, compte avant tout Jaguar (1967), road movie mettant en scène quatre amis facétieux, du Niger en Gold Coast : « Le film, en fait, a été terminé en 1970, près de quinze ans après son tournage. Jaguar, c’est mon premier long métrage, mon premier film de fiction et il m’a marqué à jamais. Tous les films que je fais maintenant, c’est toujours Jaguar [5]. » Par ses expérimentations audiovisuelles, Jean Rouch influence ainsi le cinéma français d’auteur et suscite des vocations en Afrique, notamment au Niger.

Jean Rouch, Cocorico ! Monsieur Poulet (1974) (CNC, photogramme) © CNRS/CFE/Jocelyne Rouch
Jean Rouch, Cocorico ! Monsieur Poulet (1974) (CNC, photogramme) © CNRS/CFE/Jocelyne Rouch

La seconde partie de l’exposition traite des pratiques cinématographiques de Jean Rouch ou, plus précisément, de « Dalarou » ou « Dalarouta », personnage inventé le 22 mars 1973 par son collaborateur et ami DAmouré Zika, le chauffeur-cuisinier LAm Ibrahima Dia, Jean ROUch et le guide TAllou Mouzourane, auxquels peut-être ajouté Moussa Hamidou. La taille de l’équipe correspond à la légèreté du dispositif filmique. Jean Rouch limite l’écriture préalable, qu’elle soit documentaire ou de fiction, pour laisser une place aux éventuels fruits du hasard. En outre, ne suivant pas les recommandations notamment des services parisiens de Kodak, il opte très vite pour une caméra portée, ce qui accentue les caractères subjectif et immersif de ses réalisations. Si, sa vie durant, il utilise des caméras 16 millimètres, de 1946 à 1960, Jean Rouch filme avec une Bell & Howell, dont l’entraînement à ressort nécessite d’être remonté manuellement toutes les vingtaines de secondes : de cette contrainte technique, il tire peu à peu une écriture visuelle. L’ethnographe-cinéaste accorde aussi de l’importance à la bande-son, composée de commentaires, de dialogues souvent improvisés, de musiques et de chants, de sons d’ambiance ou de bruitages réalisés a posteriori. Jean Rouch développe notamment un art unique de la narration, une narration épurée et imprégnée des traditions entendues. Aux premières séquences muettes, succèdent, à partir de 1950, un enregistrement parallèle des sons au moyen d’un acémaphone et, à partir de 1960, un enregistrement synchrone, fort utile pour les premiers micro-trottoirs de Chronique d’un été (1961), film-manifeste du cinéma-vérité et source du Joli Mai (1963) de Chris Marker et Pierre Lhomme. Ainsi l’ethnographe-cinéaste s’approprie-t-il les innovations techniques successives : de procédés de collecte scientifique, en noir et blanc, muets, aux plans très courts seulement liés par une bande sonore, les films deviennent au fil des années des moyens d’interaction entre observateur et observés ainsi que des fictions présentant une continuité sonore et en couleur. De même qu’il tire ses photographies, Jean Rouch, contrairement à la plupart des ethnographes, tourne et monte lui-même ses documentaires à partir de 1949 et de l’Initiation à la danse des possédés. Toutefois, seule la moitié des 180 films qu’il réalise sont achevés, ce qui reflète sa conception de l’œuvre, toujours ouverte, toujours prête à être façonnée.

Jean Rouch, Enfant Dogon aux lunettes (Mali, 1969) (BnF, diapositive) © Jocelyne Rouch
Jean Rouch, Enfant Dogon aux lunettes (Mali, 1969) (BnF, diapositive) © Jocelyne Rouch

D’Au pays des mages noirs (1947), diffusé dans les salles de cinéma en première partie de Stromboli (1950) de Roberto Rossellini, à Le Rêve plus fort que la mort (2002), la filmographie de Jean Rouch appelle à une exploration sans fin. Son œuvre concerne tant les ethnographes que les cinéastes, tant les spécialistes que le grand public. Ainsi ses premières photographies ont-elle pu aussi bien venir à l’appui d’une thèse scientifique qu’illustrer une brochure de voyage. Si Jean Rouch, mêlant la rigueur à l’enthousiasme, fait partie de ces personnes inclassables qui innovent et renouvellent les manières de penser, d’être et d’agir dans et avec le monde, il est très tôt reconnu par ses pairs, ethnographes ou cinéastes, par les institutions dans lesquelles il exerce ou qui financent ses missions – le Centre national de la recherche scientifique, l’Institut français d’Afrique noire devenu Institut fondamental d’Afrique noir, le Centre national de la cinématographie devenu Centre national du cinéma et de l’image animée – et jusqu’aux éditeurs puisqu’il publie notamment aux Presses universitaires de France tandis que Damouré Zika confie son journal à la Nouvelle Revue française. À l’évidence, le contexte a changé, cependant, l’exposition et le livre qui l’accompagne donnent à penser, outre sur l’irrigation des sciences humaines en dehors du milieu académique, sur la liberté du chercheur, celle qui lui est offerte, celle dont il se saisit. Les « bricolages » chers à Jean Rouch, diffusés en salle avant des films de fiction, n’ont-ils pas ici quelque chose à nous apprendre ?

L’avenir appartient à deux genres de personnes : les enfants et les fous. Je suis resté un peu les deux. Ici, nous sommes sur les bords de la Seine, or j’ai fait des ponts. Tu as derrière toi, deux types de ponts : le premier type, c’est l’horreur, symétrique, rationnel, c’est Socrate, c’est Descartes, c’est Kant. Derrière, tu en as un qui est fou, fou, absolument fou : aucune des arches n’est semblable… C’est ça, pour moi, un pont. C’est comme cela que l’on doit travailler. Pour le moment, je suis entre les deux, mais […] je voudrais […] faire des films comme le pont que tu vois là-bas, qui te pose un problème et qui malgré tout est toujours là [6]. (Jean Rouch)

« Jean Rouch : l’homme-cinéma », du 26 septembre au 26 novembre 2017, Bibliothèque nationale de France, Quai François-Mauriac, 75013, Paris, du mardi au samedi de 10h à 19h, le dimanche de 13h à 19h, entrée libre.

Catalogue de l’exposition, Jean Rouch, l’Homme-Cinéma : découvrir les films de Jean Rouch, Paris, BnF éditions/CNC/Somogy, 2017.

Mentionnons également, pour le centenaire de sa naissance :

« Dialogue photographique : Jean Rouch & Catherine de Clippel », du 25 octobre 2017 au 7 janvier 2018, et 36festival international Jean-Rouch du film documentaire, du 8 novembre au 3 décembre 2017, Musée national d’histoire naturelle, auditorium Jean-Rouch.

Laurent Védrine, « Jean Rouch : cinéaste aventurier », France, Arte, 54 minutes, 2017.

[1] Jean Rouch, l’Homme-Cinéma : découvrir les films de Jean Rouch, Paris, BnF éditions/CNC/Somogy, 2017, p. 235.

[2] Ibid., p. 130.

[3] Ibid., p. 229.

[4] Les deux citations proviennent du panneau introductif de l’exposition.

[5] Jean Rouch…, op. cit., p. 82.

[6] Laurent Védrine, « Jean Rouch : cinéaste aventurier », France, Arte, 54 minutes, 2017.

Une biennale pour les photographes du monde arabe

La deuxième Biennale des photographes du monde arabe contemporain se déploie jusqu’au 12 novembre dans les quatrième et cinquième arrondissements de Paris. En s’associant, l’Institut du monde arabe, la Maison européenne de la photographie, la Cité internationale des arts, les galeries Binôme, Clémentine de la Féronnière, Photo12 et Thierry Marlat, la mairie du quatrième arrondissement démontrent que les porteurs de projets culturels peuvent non seulement être divers et variés, mais également collaborer. Cette idée est d’ailleurs à l’origine du nom de la galerie Binôme, Valérie Cazin travaillant avec des conservateurs de musée, des commissaires indépendants, des historiens de l’art, afin d’enrichir et de renouveler son approche de la photographie et ainsi ses propositions.

Dania à 9 ans, camp de réfugiés de Bourj El Barajneh, Beyrouth, Liban, 2011
Rania Matar, Dania à 9 ans, camp de réfugiés de Bourj El Barajneh, Beyrouth, Liban, 2011.

L’objectif de cette Biennale tient en peu de mots, tant il est clair et fort : livrer le regard d’artistes de toute nationalité sur le monde arabe contemporain pour, ajoute-je, en présenter les profonds changements. À l’heure où la plupart des images sur cette aire culturelle proviennent des actualités, il s’agit non de journalisme, mais d’art, donc d’une autre temporalité et d’une autre sensibilité. Majoritairement arabes, les photographes invités offrent une vision de l’intérieur, et des vues nécessairement subjectives de leur pays, de leur quartier, de leur société. En 2015, l’approche du monde arabe s’était voulue généraliste. Cette année, deux scènes sont privilégiées : la Tunisie à l’Institut du monde arabe, grâce à la commissaire Olfa Feki, et l’Algérie à la Cité internationale des arts, avec Bruno Boudjelal. Si elle ne possède pas la dimension commerciale d’une foire, et donc n’en partage pas certains enjeux, une biennale a entre autres pour vocation, du moins je l’espère, de faire connaître des talents émergents, en l’occurrence étrangers.

Mohamed – série Mohamed, Salem, Omrane, Hbib, Hsouna, 2016
Douraïd Souissi, Mohamed – série Mohamed, Salem, Omrane, Hbib, Hsouna, 2016.

D’une vue d’ensemble on retient la diversité des écritures visuelles et la récurrence de deux thèmes : les migrations et les rapports à la sexualité, en d’autres termes des bouleversements auxquels sont confrontées ces sociétés nord-africaines. Dans le détail, à l’Institut du monde arabe, nombreux sont les visiteurs à s’arrêter devant les portraits réalisés par Douraïd Souissi. Est également apprécié, à la mairie du quatrième arrondissement, le projet du Français Michel Slomka sur le peuple Yézidi : « Je m’intéresse, écrit-il, aux séquelles psychologiques des personnes qui ont survécu au massacre et qui ont réussi à sortir du califat autoproclamé de l’État islamique. Ce travail interroge les capacités des survivants – et au-delà de la communauté tout entière – à faire face à l’extrême violence qui a fait voler en éclat leurs repères, à se reconstruire dans cet état de fragilité où l’avenir semble aboli par la puissance du traumatisme. »

Michel Slomka, série Sinjar, naissance des fantômes (Irak, 2016)
Des petites filles forment une ronde à l’extérieur du camp de Shari’a. Les paroles de leur chanson disent : « Regarde, un oiseau noir sur nos terres. Il est noir, si noir ! L’heure est venue de prendre ton épée, ton pistolet. Boum ! »La vie des Yézidis de Sinjar s’est arrêtée il y a presque deux ans. Depuis, ils vivent une vie suspendue dans les camps de réfugiés, attendant des nouvelles de leurs proches disparus. Leur seul espoir est la fin rapide de la guerre et la défaite totale de Daech. (Michel Slomka)

À la Cité internationale des arts, l’exposition « Ikbal/Arrivées », accueillie successivement à Alger, Paris et Marseille, rassemble plus de quatre cents clichés d’artistes algériens, âgés, pour la plupart, entre vingt et trente ans. Hakim Rezaoui, en photographiant la nature, aborde l’absence de sollicitations et l’introspection, « A way of life » du nom de la série, tandis qu’Abdelhamid Rahiche saisit la vie quotidienne dans l’ensemble Climat de France conçu par l’architecte français Fernand Pouillon entre 1955 et 1957, « utopie urbaine […] devenue ghetto surpeuplé et […] théâtre d’un véritable malaise social », selon les mots de Bérengère Chamboissier. Youcef Krache s’immerge dans le spectacle d’un combat de mouton, et Fethi Sahraoui, avec son seul Smartphone, dans les matchs de football, échappatoires pour les adolescents bien qu’il leur soit interdit d’y assister. Les quatre carrousels de Karim Tidafi, qui représentent des fenêtres de bus, en disent long sur la vie quotidienne à Alger. Enfin, Nassim Rouchiche introduit dans l’Aéro-Habitat, cité de béton où des migrants venus du Cameroun effectuent des travaux d’entretien en échange de leur hébergement et en l’attente d’un avenir meilleur, ailleurs. Entre un passé définitivement quitté et un rêve dont ils ne savent s’il se réalisera, ils apparaissent, sans retouches ni artifices, tels des fantômes. Le résultat, saisissant, révèle combien Nassim Rouchiche fait preuve de considération à leur égard et de sincérité.

Nassim Rouchiche, série Ça va waka
Nassim Rouchiche, Série Ça va waka.

La promenade d’un lieu à l’autre de ce monde arabe contemporain en renouvelle les images, en abolit les dits clichés. De par l’ouverture vers l’autre et l’ailleurs qu’elle constitue, en raison de la variété des approches et des démarches artistiques, cette biennale peut susciter l’intérêt autant des amateurs d’art que toute personne avide d’explorer des cultures et des sociétés. Si cette récente manifestation, dont Gabriel Bauret assure le commissariat d’ensemble avec succès, touchera encore cette année difficilement au-delà des arrondissements parisiens, elle contribue déjà de manière considérable à la promotion et à la circulation des artistes et de leurs œuvres.

Adresses des lieux d’exposition :

Cité internationale des arts, 18 rue de l’Hôtel de Ville (entrée libre) ; Galerie Binôme, 19 rue Charlemagne (entrée libre) ; Galerie Clémentine de la Feronnière, 51 rue Saint-Louis-en-l’île (entrée libre) ; Galerie Photo12, 14 rue des Jardins Saint-Paul (entrée libre) ; Galerie Thierry Marlat, 2 rue de Jarente (entrée libre) ; Institut du monde arabe, 1 rue des Fossés Saint-Bernard, place Mohammed V (10-5 €, billet couplé avec la MEP 13-8 €) ; Mairie du 4e arrondissement, 2 place Baudoyer (entrée libre) ; Maison européenne de la photographie, 5-7 rue de Fourcy (9-5 €, billet couplé avec l’IMA 13-8 €).

Week-end portes ouvertes à l’Institut du monde arabe les 30 septembre et 1er octobre (entrée libre).

Autour de la Biennale :

21 septembre à 18h30, Institut du monde arabe, salle du haut conseil : table ronde sur le thème « Être femme photographe dans le monde arabe », avec les photographes Scarlett Coten et Mouna Karray, l’architecte et commissaire d’exposition Olfa Feki et la muséographe Laura Scemama.

24 septembre à 16h, Galerie Binôme : table ronde avec les artistes Mustapha Azeroual et Sara Naim dans le cadre de la manifestation « Un dimanche à la galerie », en présence de la co-commissaire Laura Scemama

28 septembre à 19h : visite commentée de l’exposition « Sinjar, naissance des fantômes », en présence du photographe Michel Slomka

12 octobre à 19h : rencontre et débat sur « Comment témoigner de la résilience par l’image » avec Michel Slomka et Alexandre Liebert, réalisateur d’un film présenté dans le cadre de l’exposition « Sinjar, naissance des fantômes »

Publications :

Catalogue de la deuxième biennale des photographes du monde arabe contemporain, Paris, IMA/Silvana éditoriale, 2017.

« Ikbal/Arrivées » : pour une nouvelle photographie algérienne, catalogue de l’exposition présentée à la Cité internationale des arts, Paris, AARC/Institut français d’Algérie, 2017.

 

Couverture du livre de Michel Slomka

Michel Slomka, Sinjar, naissance des fantômes, Le-Gau-du-roi, Charlotte sometimes, 2017.

 

 

 

Couverture du livre de Marco Barbon

Marco Barbon, The Interzone, Tanger 2013-2017, Paris, Éditions Clémentine de la Féronnière, 2017.

À l’école de l’art

Vue de l'exposition "Felicità 17" (Paris, 2017)

Exposition annuelle, « Felicità » résulte de la sélection par un jury tournant d’œuvres de jeunes diplômés de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. L’excellence des étudiants a toutefois conduit l’École à modifier les critères de cette sélection. Dans le passé, seuls ceux ayant obtenu les félicitations voyaient leur travail non seulement exposé, mais également commenté dans un catalogue. En 2017, le jury, présidé par Joan Ayrton et composé de Sarah Troche, Richard Fauguet, Karim Ghaddab et Marielle Paul, a retenu les œuvres de trente-quatre étudiants parmi les quelque quatre-vingts que compte la promotion, cette fois sans considération pour les mentions. Le catalogue, lui, propose un panorama complet, mais accorde plus de place aux pièces exposées. L’an prochain, recherche d’équité ou renoncement, le jury s’abstiendra de toute sélection. Le visiteur pourra voir les travaux de tous les étudiants diplômés de l’année.

Comment présenter avec sensibilité ou intelligence des œuvres dont le seul point commun, non artistique, est d’avoir été produites par un étudiant de la promotion 2017, qui plus est dans un bâtiment historique dont on ne peut pas modifier ne serait-ce que la couleur des murs, en l’occurrence bordeaux ? Joan Ayrton, qui a assuré le commissariat de l’exposition, a créé un espace le plus ouvert possible, concevant par exemple des murs particulièrement légers. Pourquoi des murs ? À l’École des Beaux-Arts de Paris, la peinture, maintes fois condamnée au cours du 20e siècle, n’a jamais cessé d’être pratiquée. En témoignent les œuvres de l’Israélienne Nathanaëlle Herbelin qui a décidé de s’installer à Paris, et d’Alexandre Lenoir, inspiré par Rome, tous deux travaillant sur des motifs réels.

Nathanaëlle Herbelin, Nature morte, objets récupérés pendant la période du service dans le Neguev (2015)
Nathanaëlle Herbelin, Nature morte, objets récupérés pendant la période du service dans le Neguev (2015)
Alexandre Lenoir, Colisée (2016-2017)
Alexandre Lenoir, Colisée (2016-2017)

« Felicità 17 » permettait aussi de découvrir les réalisations de Laure Tiberghien, qui explore la lumière et le temps communs au film et à la photographie ; la proposition, en partie collective car fédératrice, de Sarah Nefissa Belhadjali, qui s’approprie le vocabulaire de la mode pour mieux en analyser les ressorts ; les savants montages photographiques de la Franco-Japonaise Alicia Renaudin, où une image insérée dans une autre, et ailleurs, évoque notamment la biculturalité, sa richesse, ses difficultés, ses interrogations. Dans l’ensemble, ces étudiants devenus artistes, nés dans les numériques années 1990, privilégient le travail corporel de la matière et font preuve d’un intérêt marqué pour l’écrit. Quoi qu’on en dise, après cinq ans de formation, les résultats sont divers et de qualité. L’avenir de l’art en France est entre de bonnes mains.

Laure Tiberghien, Scroll of light (2017) et Négatif (2017)
Laure Tiberghien, Scroll of light (2017) et Négatif (2017)
Alicia Renaudin, Corps flottant (2015)
Alicia Renaudin, Corps flottant (2015)

Les œuvres des jeunes diplômés ne sont pas les seules à être exposées aux Beaux-Arts, celles des enseignants le sont aussi. Dans le cadre du Cabinet de dessin Jean-Bonna, la conservatrice Emmanuelle Brugerolles assure le commissariat de trois expositions par an : deux valorisent le fonds de l’École, riche de 450 000 œuvres (photographies, peintures, sculptures, dessins de maître et d’architecture, estampes) et ouvrages (livres, manuscrits) du 17e siècle à 1968, et, depuis 2014, une exposition accompagnée d’un catalogue présente le travail d’un professeur, moyen de continuer à conserver une trace des enseignements. Cette année, le Suisse Gilgian Gelzer, qui quitte l’École pour se consacrer à l’art, notamment le dessin mais aussi la peinture et la photographie, proposait « Contact », celui entre la mine de crayon et le papier.

Gilgian Gelzer, exposition "Contact" (Paris, 2017)

Gilgian Gelzer, exposition "Contact" (Paris, 2017)

Défiant bien souvent les catégories d’abstraction et de figuration, Gilgian Gelzer trace des lignes jusqu’à parfois recouvrir la quasi-totalité de la surface de papier. Cette mise en œuvre, derrière son apparente simplicité, crée une profondeur à la fois formelle et idéelle. L’artiste explore tous les formats, les plus grands l’obligeant à travailler debout, à engager tout son corps. Lors de l’exécution de certains dessins, son geste va au-delà de la feuille de papier, les traits apparaissent donc tronqués une fois celle-ci retirée du mur, soulignant la limite et son franchissement. Dans ses dessins, Gilgian Gelzer a introduit des couleurs élémentaires, le rouge, le bleu, non pour elles-mêmes mais pour la différence qu’elles créent au regard du graphite. Depuis peu, il travaille sur la pliure qui offre bien des perspectives en termes de création.

En attendant les prochains rendez-vous de l’École des beaux-arts, la galerie Jean Fournier proposera, du 7 septembre au 21 octobre, « Vers le rouge », exposition d’œuvres de Gilgian Gelzer.

Couverture du catalogue de l'exposition "Felicità 17"

« Felicità 17 », Palais des beaux-arts, 13 quai Malaquais, 75006 Paris, du 20 mai au 14 juillet 2017, du mardi au dimanche, de 13h à 19h, avec visites guidées et performances, entrée libre.

Catalogue : Felicità 17, Paris, Éditions des Beaux-Arts de Paris, 2017.

 

Gilgian Gelzer, « Contact », Cabinet des dessins Jean-Bonna, 14 rue Bonaparte, 75006 Paris, du 12 mai au 12 juillet, du lundi au vendredi de 13h à 18h, entrée libre.

Gilgian Gelzer, « Vers le rouge », du 7 septembre au 21 octobre 2017, du mardi au samedi, de 10h à 12h30 et de 14h à 19h, galerie Jean Fournier, 22 rue du Bac, 75007 Paris, 01 42 97 44 00, entrée libre.

Catalogue : Pierre Wat, Gilgian Gelzer, Paris, Éditions des Beaux-Arts de Paris, « Carnets d’études, 38 », 2017.

Composer (avec) l’attente

Salah Chouli, "L'Attente"
Salah Chouli, « L’Attente »

Moscou, une chaleur écrasante. Une jeune femme s’est réfugiée dans la fraîcheur du métro pour attendre. Qui ? Le photographe ne le sait pas encore. Il attend lui aussi. Mais autre chose. Il attend l’instant peu probable où cette jeune femme apparaîtra seule dans le cadre de son objectif. Le temps est long, pour elle comme pour lui. Il devient même infini quand on aime, un jeune homme ou l’instant à saisir. Au bout d’une heure, l’amant arrive, la jeune femme se lève, elle reçoit un bouquet de fleurs, échange un baiser, tandis que le photographe s’en retourne, heureux de son cliché.

Né en 1967 en Algérie, Salah Chouli est arrivé cinq ans plus tard en France, pays qui reste son port d’attache. Quand il n’enseigne pas l’anglais, il part avec ses quatre enfants, chacun un appareil photographique à la main. Professeur ou père de famille, il transmet.

« Je suis venu à la photographie par la littérature. Enfant, les livres me donnaient à rêver, me faisaient voyager à travers leurs représentations du monde. J’ai toujours pensé que les écrivains étaient de fins observateurs de la réalité. Leurs descriptions de lieux lointains, de scènes ordinaires ou plus insolites, offraient à mon imaginaire de gosse de banlieue un monde plus vaste que celui dans lequel j’évoluais. […] Plus tard, j’ai découvert que la photographie avait cette même force de transport, cette même force évocatrice et révélatrice. […] Voilà que l’écrivain et le photographe faisaient naître en moi cette envie, ce désir d’observer à mon tour, de voyager à mon tour et enfin de photographier à mon tour… »

Les rencontres humaines importent aussi beaucoup à Salah Chouli, qu’elles aient lieu pendant ses voyages ou à son retour lorsqu’il expose ses photographies. Un jour, un homme a regardé, observé, peut-être contemplé L’Attente du métro moscovite, des heures durant. Puis il s’en est allé, pour revenir le lendemain matin. Il s’est alors présenté et a tendu à Salah Chouli la partition qu’il avait composée au cours de la nuit : Wartestück, sur L’Attente de S. Chouli, par Hector Cornilleau.

Hector Cornilleau, Wartestück, sur "L'Attente" de S. Chouli
Hector Cornilleau, Wartestück, sur « L’Attente » de S. Chouli

Littérature, photographie, musique, parce que les arts vibrent en présence de l’essentiel, sont-ils ainsi capables de le saisir et de le transmettre.

Salah Chouli, « Errances… », du 7 au 25 juin 2017, galerie Hayasaki, village Saint-Paul, 12-14 rue des Jardins Saint-Paul, 75004 Paris, 01 42 71 10 20, kayokohayasaki@gmail.com, entrée libre.

Une partie de campagne

Xavier Mary, Silver Condenscend Structure XXL (2016)
Xavier Mary, Silver Condenscend Structure XXL (2016)

Après le cinéma, avec l’adaptation que Jean Renoir réalisa en 1936 en moyen métrage, l’art contemporain s’approprie le titre de la nouvelle de Guy de Maupassant initialement publiée en avril 1881 dans la revue littéraire La Vie moderne pour désigner une manifestation qui fêtait cette année sa septième édition. Si l’idée du titre revient à Benoît Pourcher, de la galerie Semiose, on doit ce qui devient un « événement » à Bernard Utudjian, de la galerie Polaris. 2011 et 2012 à Locquirec dans le Finistère, 2013 à Saint-Émilion, 2014 et 2015 à Saint-Briac-sur-Mer en Ille-et-Vilaine, 2016 et 2017 à Chassagne-Montrachet, en une alternance mer et vin : galeries françaises et étrangères s’installent dans un village le temps d’un week-end pour exposer des œuvres d’art contemporain et créer un moment d’humanité exceptionnel.

Cette année, onze galeries ont de nouveau répondu à l’invitation de la dynamique maire de Chassagne-Montrachet, Céline Dancer, et des viticulteurs bourguignons, l’interface étant assurée par l’artiste et mécène Emma Picard. Réjane Louin, de la galerie bretonne éponyme, eut ainsi la joie de retrouver son hôte qui lui exprima le souhait qu’elle investît un autre lieu, plus vaste comparé à celui de l’année précédente. Les œuvres transportées depuis leur galerie d’origine, encore fallait-il les installer ou les accrocher, souvent entre une cuve de fermentation et une table de dégustation. D’entraide en solidarité, les Bourguignons initièrent plus avant les habitués du white cube à la pierre de taille et aux arrière-plans de vignes…

En exposant des œuvres de Frédéric Bouffandeau, de Guillaume Moschini, de Claude Viallat, Florent Paumelle, de la galerie Oniris à Rennes spécialisée dans l’art abstrait, avait opté pour la couleur et pour le mélange des générations, tandis que la Danoise Maria Lund se révélait fidèle à son goût pour l’épure, en présentant notamment des papiers de l’artiste coréen Lee Jin Woo, venu avec son épouse, et des verres de Pipaluk Lake. La mairie de Chassagne-Montrachet fut également le lieu d’une performance de Mickaël Bordugo. De sa voix singulière, celui-ci déclama ses propres textes d’inspiration surréaliste, avant de diffuser une vidéo de sa création.

Lee Jin Woo, Sans titre
Lee Jin Woo, Sans titre (2017)
Pipaluk Lake, Framework II (2011)
Pipaluk Lake, Framework II (2011)

Parmi les artistes enthousiastes à l’idée de passer un week-end au vert, se trouvaient Marie Havel et Vanessa Fanuele, que représentaient respectivement la H Gallery et la galerie Polaris. Marie Havel, étoile montante de l’art contemporain, proposait un accrochage résumant bien ce qui devient son et une œuvre, caractérisée par la diversité des médiums employés (crayon graphite, flocage de modélisme, polystyrène) et marquée par l’histoire de sa région natale, la Picardie : un bunker détruit, intitulé Qui perd gagne, soulignait les ambivalences de la guerre, l’architecture d’une bâtisse en ruine apparaissait en négatif au moyen de la végétation qui l’a envahie, et l’idée de traces était également présente dans ses photographies d’un quartier en démolition où les maisons vouées à disparaître, grattées au papier de verre, suscitaient intérêt et interrogations.

Marie Havel, Le Ravin du loup 3 (2017)
Marie Havel, Le Ravin du loup 3 (2017)

Toujours au château de Chassagne-Montrachet, les mots « recouvrement » et « ossature » permettaient d’appréhender les peintures de Vanessa Fanuele. N’ayant pas pu résister à sa vocation d’artiste, cette architecte a commencé par peindre des tas d’os avant de prendre conscience qu’il s’agissait des lignes de force de projets à bâtir. À la Bourgogne, elle offrait deux univers à explorer : l’un centré sur les architectures objets que sont les panneaux publicitaires en trois dimensions, notamment marqueurs des paysages états-uniens, l’autre constitué d’architectures fictives aux titres allusifs qui, par là même, incitaient les regardeurs à faire appel à leur imagination et à projeter leurs sentiments : pour d’aucuns, une angoisse face à des cités d’un futur nécessairement inconnu. Vanessa Fanuele prolongerait-elle ainsi la chaîne de verre, cette correspondance secrète et mystérieuse qu’architectes, artistes et écrivains s’inscrivant dans le courant expressionniste allemand échangèrent de décembre 1919 à décembre 1920 autour d’une architecture visionnaire [1] ?

Peintures et sculptures de Vanessa Fanuele
Peintures et sculptures de Vanessa Fanuele

Bien d’autres œuvres étaient à découvrir, parfois en avant-première, telles les peintures que l’Anglais Alun Williams expose actuellement à Paris à la galerie Anne Barrault, et les temps et lieu prêtaient à l’approfondissement du regard comme des propos. Artistes, galeristes, collectionneurs, amateurs de tous horizons, mais aussi viticulteurs, habitants ou hôteliers des bourgs et villages voisins, par leur intérêt, leur passion pour l’art contemporain, en révélaient à la fois une facette contraire aux clichés et les ressources pour l’être humain. Venus l’esprit ouvert à la rencontre, ils échangèrent aussi bien autour d’un burger à l’époisses à l’ombre du food truck de Gilles Bidalot que lors d’un dîner aux chandelles généreusement arrosé par les viticulteurs de Chassagne-Montrachet et signé Édouard Mignot et Émilie Rey, du Ed Em, restaurant une étoile au guide Michelin.

À la fin de cette Partie de campagne, certains repartirent avec des caisses de vin, d’autres accrochèrent une œuvre acquise au coup de cœur ou après réflexion, tous empreints de rencontres, de savoirs, d’émotions, et impatients de connaître les dates et lieu de la prochaine édition, une Partie ne se jouant pas plus de deux ans de suite dans le même village…

Site de la manifestation : http://www.updcart.com/

[1] Sur ce sujet, on peut lire l’ouvrage de Maria Stavrinaki, La Chaîne de verre : une correspondance expressionniste, Paris, Éditions de la Villette, 2009.