Duchamp par Hamilton

Couverture du DVD : Pascal Goblot, Richard Hamilton dans le reflet de Marcel Duchamp (Après éditions, 2014).Voici une belle découverte à partager, celle des éditions Après, dédiées à « la création contemporaine à l’œuvre ». Le catalogue de cette maison de production comprend des livres-DVD sur les réalisations de Daniel Buren, Tadashi Kawamata ou encore Fabrice Hyber, des conférences-débats comme entre l’architecte Claude Parent et le philosophe Paul Virilio, des panoramas de la création contemporaine dans des domaines aussi variés que la danse, la musique et le design. Les collections sont clairement définies, les réalisations soignées, ce qui invite à offrir « tiré à part » ou édition limitée.

 

Parmi les dernières parutions et en parallèle de l’exposition « Marcel Duchamp – La peinture, même » qui se tient au Centre Georges Pompidou, le film de Pascal Goblot, Richard Hamilton dans le reflet de Marcel Duchamp, retrace les liens qui unissent le père du pop art, auteur du célèbre collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing ? (Qu’est-ce qui rend exactement les maisons d’aujourd’hui si différentes, si séduisantes ?, 1956), au créateur du non moins fameux ready made Fontaine, dit l’urinoir (1917). À l’origine de la relation entre les deux artistes se trouve une œuvre de Marcel Duchamp : La Mariée mise à nu par ses célibataires, même, également appelée Le Grand Verre, aujourd’hui conservée au musée d’Art de Philadelphie.

Le film met en scène Richard Hamilton racontant comment il a découvert cette œuvre et comment il a été conduit à en réaliser une copie pour une exposition à la Tate Gallery de Londres. Si Marcel Duchamp n’a jamais livré d’explications sur Le Grand Verre, préférant laisser les autres en parler à sa place, il a légué une sorte de carton à archives, désignée sous le nom de boîte verte. Celles-ci comprend des documents, allant de simples notes à des schémas avec cotes et mesures. Malgré leur existence, l’œuvre demeure toutefois énigmatique.

Il est difficile d’évoquer Marcel Duchamp sans aborder les questions que soulève habituellement l’art contemporain, et la première d’entre elles : comment définir une œuvre d’art ?

« Je suppose que, pour moi, une œuvre d’art c’est ce qu’un artiste crée, dit Richard Hamilton. Et si je me considère comme un artiste, ce que je fais, ce sont des œuvres. »

Comme Hamilton en convient lui-même au cours d’un entretien avec Pascal Goblot, sa réponse ne convainc guère. Pourtant, il existe bien une définition de l’œuvre littéraire ou artistique, celle de l’homme de loi. Juge ou avocat la définissent avant tout par son caractère original. Qu’en est-il des idées de Duchamp sur l’art et de son ready made, « objet usuel promu à la dignité d’objet d’art par le simple choix de l’artiste ».

« Et même le choix, qui est l’enjeu de choisir l’objet que vous voulez faire, n’est pas nécessaire, dit Duchamp. En d’autres termes, cela devrait être complètement impersonnel. Car si vous y introduisez le choix ou l’idée du choix, cela veut dire que vous introduisez votre goût. Et si vous introduisez votre goût, vous revenez aux vieux idéaux du goût, le bon et le mauvais goût, et le goût sans intérêt. Le goût est le grand ennemi de l’Art. »

Les réflexions de Marcel Duchamp ont suscité bien des débats qui agitent aujourd’hui encore l’art contemporain. Certains considèrent par exemple que seuls ceux maniant pinceau ou burin peuvent être qualifiés d’artistes, définition qui ne fait évidemment pas l’unanimité à l’heure où s’ouvre l’exposition « Jeff Koons, la rétrospective » au Centre Georges Pompidou. Aux questions sur l’artiste et son œuvre, s’ajoutent celles relatives au rapport entre l’œuvre et son spectateur. Ainsi, pour d’autres, l’œuvre d’art n’existe en tant que telle qu’à partir du moment où elle est vue. On comprend dès lors mieux pourquoi le choix des pièces à intégrer aux collections nationales est régulièrement critiqué.

Ainsi Pascal Goblot propose-t-il non seulement une histoire du Grand Verre par Richard Hamilton, mais également des éléments permettant d’alimenter la réflexion de chacun sur l’art contemporain. Parmi toutes les interrogations que celui-ci soulève, résident au moins deux certitudes : il faut se méfier de la culture de l’œil, de son éventuel formatage, qui conduit à préférer le déjà-vu, et avoir confiance en son esprit critique qui préserve des dérives auxquels peut conduire le conformisme.

Pascal Goblot, Richard Hamilton dans le reflet de Marcel Duchamp, Paris, Après éditions, 2014, DVD + Bonus, livret, 20 €.

« Marcel Duchamp – La peinture, même »,  du 24 septembre 2014 au 5 janvier 2015, « Jeff Koons, la rétrospective », du 26 novembre 2014 au 27 avril 2015, Centre Georges Pompidou.

 

Talents contemporains

Photographie de Rahshia Linendoll-Sawyer, We Are Not Made of Wood (2012)
© Rahshia Linendoll-Sawyer, We Are Not Made of Wood (2012)

La Fondation Schneider, créée par François Schneider en 2000, s’est donné deux missions : aider les lycéens en situation sociale difficile et, dans le domaine de l’art contemporain, faire découvrir des talents inconnus et rapprocher le public des œuvres contemporaines. À cette fin, a été instauré un concours annuel qui distingue six catégories (dessin, installation, peinture, photographie, sculpture, vidéo) et porte sur le thème de l’eau. Le fait que la Fondation se situe à Wattwiller, ville du Haut-Rhin réputée pour ses eaux minérales, a-t-il orienté ce choix ? Quoiqu’il en soit, la Fondation nous convie jusqu’au 28 décembre 2014, à découvrir les lauréats de la seconde édition, celle de 2012.

Photographie de l'oeuvre de Valère Costes, Karstic Story (2012)
© Valère Costes, Karstic Story (2012)

L’eau est évoquée, représentée, fait partie du processus de création ou encore de l’œuvre. Par exemple, l’artiste Valère Costes, qui s’intéresse aux relations entre l’être humain et la nature et qui s’inspire de techniques scientifiques, présente Karstic Story et Dark Rain. Dans la première œuvre, il reconstitue, avec de l’eau, du plâtre et du sable, le processus de formation de stalactites. Dans la seconde, le passage du visiteur à côté de l’œuvre provoque une pluie ascendante.

Photographie de l'oeuvre de Valère Costes, Dark Rain (2012)
© Valère Costes, Dark Rain (2012)

The Cut de Jessie Brennan, Les Ruisselantes de Nour Awada ou encore Murs de Mehdi Meddaci : dans son écrin boisé, la Fondation Schneider invite à bien des découvertes…

« Talents contemporains », Fondation Schneider, jusqu’au 28 décembre 2014.

Immenses hommages à Jan Hoet

Photographie de l'oeuvre de Kris Martin "Altar" (2014)
Kris Martin, Altar, 2014 (© Kris Martin, photographie Arne Deboosere/Toerisme Oostende)

Au printemps 2013, la Ville d’Ostende invite Jan Hoet à concevoir une exposition sur le thème de la mer. Celui-ci accepte à la condition d’y travailler avec Philippe Van den Bossche, directeur du musée d’art moderne, le Mu.ZEE. À partir de l’été, les réunions se succèdent, d’une journée chaque fois. Elles sont préparées par Melanie Deboutte et Mieke Mels qui effectuent de nombreuses recherches et s’enquièrent des conditions de prêt des œuvres retenues. En février 2014, alors que l’exposition est en cours d’élaboration, « le pape de l’art contemporain » meurt ; une vague se brise, puissante, avant qu’une autre se forme. L’ancien bras droit de Jan Hoet, Hans Martens, rejoint l’équipe du Mu.ZEE et le projet est mené à son terme. Le salut d’honneur à la mer devient ainsi un salut d’honneur à Jan Hoet, et le visiteur est dès l’abord confronté à une toile empreinte d’une inquiétante étrangeté : Boot (2004) de Tim Eitel, semble-t-il inspirée de L’Île des morts (1880-1886) d’Arnold Böcklin. Traversant le fleuve Achéron, Charon conduit les ombres des défunts vers leur dernière demeure. Dans l’antichambre de l’exposition « De Zee » (La mer), le tableau réaliste ne laisse pas indifférent.

Photographie de Jan Hoet (octobre 2013)
© Arne Deboosere / Toerisme Oostende

Abandonnant tôt l’activité artistique et l’enseignement, Jan Hoet (1936-2014) consacre sa vie professionnelle au travail de commissaire d’exposition. En 1986 par exemple, « Chambre d’amis » remporte le prix de l’Exposition européenne de l’année. Le projet, qui consiste notamment à présenter des œuvres chez des particuliers, questionne à nouveau frais l’intérêt et les enjeux d’exposer l’art ailleurs que dans les musées et, plus largement, la relation entre l’œuvre et le lieu. En 1992, le commissaire est nommé directeur artistique de la « Documenta 9 », célèbre exposition d’art contemporain organisée tous les cinq ans à Kassel en Allemagne, et en 1999, il remporte une bataille de plus de vingt ans : le S.M.A.K., premier musée dédié à l’art contemporain en Belgique, ouvre ses portes à Gand. Il doit son existence autant au succès électoral de Jan Hoet aux élections communales qu’à la renommée internationale de celui-ci.

 

« Un musée a l’occasion d’accueillir des confrontations souvent contraires et d’offrir des contradictions. Tel est naturellement mon souhait. Réaliser une exposition claire, pour éventuellement ensuite amener le chaos. Pour tout remettre en question. Pour décoder. Car sinon, tout est simplement célébré. Un musée ne doit pas être dédié à la célébration, un musée doit être un lieu où tout est sans cesse remis en question [1]. »

L’exposition « De Zee » d’Ostende se présente ainsi en deux parties : à l’intérieur du Mu.ZEE et à l’extérieur, dans différents lieux de la ville. Les œuvres se heurtent ou dialoguent non seulement entre elles, mais également avec leur environnement.

Rassemblant environ trois cents œuvres de cent vingt-cinq artistes modernes ou contemporains, cette exposition thématique traite aussi bien de la mer que des plages, des bateaux, des ciel et horizon auxquels elle est associée. « Der Zee » laisse entrevoir la diversité, toute humaine, des représentations artistiques possibles d’un élément naturel qui, hier comme aujourd’hui, exerce une fascination, invite à la réflexion et à la contemplation. L’exposition prend pour point de départ la fin de l’académisme, avec ses marines aux tonalités volontiers dramatiques lorsqu’elles sont tempêtes ou naufrages, et donc le début du réalisme, avec un tableau en particulier.

Reproduction du tableau "La Vague" de Gustave Courbet (1869)
Gustave Courbet, La Vague (1869) (© SABAM Belgique, 2014)

« Il pensait alors plutôt aux œuvres d’art qu’aux métaphores ou illustrations de la mer, rapporte Phillip Van den Bossche en parlant de Jan Hoet. La première œuvre qu’il avait en tête était un tableau d’une vague, mais pas n’importe quelle vague : La Vague (1869) du peintre français Gustave Courbet. Jan Hoet regardait la toile sans histoire, la vague dans toute sa radicalité et c’est ainsi qu’il a élaboré le volet historique de l’exposition. Il cherchait toujours des “moments de crise”, des “œuvres magistrales”, de la Grande Marine (1895) de James Ensor pour sa lumière, à Océanie : la mer (1946-1947) d’Henri Matisse [présente dans la collection du père de Jan Hoet] et La Grande Casserole de moules (1966) de Marcel Broodthaers [2]. »

À côté de La Vague, le visiteur peut admirer Mer montée (2011) de Thierry De Cordier, une huile et émail sur toile où les proportions fort inégales entre le ciel et la mer donnent l’impression à celui qui regarde l’œuvre de faire corps avec l’eau. À quelques pas de là, Three Seascape (1827) de William Turner représente deux fois le ciel et trois fois la mer, et peut ainsi être retourné.

Vue de l'exposition "La mer" au Mu.Zee d'Ostende
© Steven Decroos
Vue de l'exposition "La mer" au Mu.Zee d'Ostende
© Steven Decroos

Charles-François Daubigny, Eugène Boudin, Henri Meunier, Félix Vallotton, Pierre Bonnard, Léon Spilliaert, Pablo Picasso, Nicolas de Staël, Roy Lichtenstein, Daniel Buren, Panamarenko, Marlene Dumas, Wim Delvoye : quels critères ont présidé au choix des artistes, à celui des œuvres outre leur état et leur lieu de conservation (donc le coût de leur transport) ? Quelles sont les œuvres explicitement retenues par Jan Hoet, celles évoquées au détour d’une phrase, celles commandées en son hommage ? Quelles décisions les commissaires auraient-ils pris, à deux, au moment de l’accrochage ? Parce que « Der Zee » est devenue la dernière exposition d’un homme, parce que la mise en rapport des œuvres semble fondée davantage sur des critères subjectifs que stylistiques ou techniques, on regrette de ne pas avoir assisté à l’élaboration du projet, à ces conversations dont un seul des locuteurs demeure. Aussi revient-il à chacun de faire dialoguer, selon ses connaissances mais surtout son esprit critique, son goût et sa sensibilité, les styles et les époques, naturalisme, cubisme, pop art, abstraction, les arts moderne et contemporain, de faire sienne cette rupture avec le parcours chronologique habituellement dévolu au musée, afin d’en sortir.

Parmi la trentaine d’œuvres exposées à l’extérieur, nous en évoquerons deux en particulier, parce qu’elles entretiennent une relation non seulement avec d’autres œuvres mais également avec les lieux dans lesquels elles se situent. À la fin de sa vie, le peintre ostendais James Ensor occupe la maison de son oncle et de sa tante dont il a hérité, au 27 rue de la Flandre. Il fait de l’entresol des pièces à vivre, du salon bleu son atelier, et conserve en l’état la boutique de souvenirs, qu’évoque d’ailleurs Guillaume Bijl dans son œuvre Schelpenwinkel De Zee (2014) exposée au Mu.ZEE.

Photographie de l'oeuvre de Joseph Grigely et Amy Vogel, Hop Frog (2005) dans la maison de James Ensor
Joseph Grigely et Amy Vogel, Hop Frog (2005) dans la maison de James Ensor (© Steven Decroos)

Parmi les poissons, coquillages, perles, jouets, cartes postales, masques et autres babioles toujours conservées au rez-de-chaussée, est présentée Hop Frog (2005) de Joseph Grigely et Amy Vogel. Les artistes proposent une interprétation de la toile d’Ensor intitulée La Vengeance de Hop Frog (1898), elle-même inspirée d’une nouvelle d’Edgar Allan Poe. Tout au long de sa vie, James Ensor nourrit son attachement à Ostende. Il y peint son autoportrait, l’intérieur de sa maison, des vues de la rue et, bien sûr, la plage, la mer, ce qui justifie la place importante accordée à ses œuvres dans l’exposition.

 

 

« Oui, belles dames et déesses, notre mer d’Ostende, humble et fidèle telle chienne marine, lèche et pourlèche vos pieds légers, elle aboie aussi aux lunes, elle caresse et renforce les mollets douillets molestés par le temps, écrit Ensor. Elle donne fraîcheur en canicule et chaleur au printemps. Elle résume toutes les mers, mer blanche, mer rouge, mer jaune, mer noire, mer des lunes et d’étoiles et trois cent soixante-cinq mille fois l’an quand la lune rit ou quand un nuage passe ou pisse, elle change de robe, de chemise et de tempérament [3]. »

Reproduction du tableau "Model in de duinen" de James Ensor (1882)
James Ensor, Model in de duinen (1882) © SABAM Belgique, 2014

Parce qu’elle rend hommage à Jan Hoet en évoquant sa foi et un des tableaux qu’il admirait, L’Adoration de l’Agneau mystique (1432) des frères Van Eyck, parce qu’elle réunit l’art de la Renaissance à l’art conceptuel, parce qu’elle prend la mer pour cadre comme pour objet, Altar (2014) de Kris Martin est sans doute l’œuvre la plus saisissante de « Der Zee ». Le cadre de métal ancré sur la plage d’Ostende, face à la mer, est une copie exacte du retable conservé à la cathédrale Saint-Bavon de Gand, où, en 2012, Jan Hoet monte une exposition sur le thème de saint Jean, exposition dont Kris Martin est l’un des initiateurs.

Photographie de l'oeuvre de Kris Martin "Altar" (2014)
Kris Martin, Altar, 2014 (© Kris Martin, photographie Arne Deboosere/Toerisme Oostende)

Le parc Leopold où flotte Le Bateau imaginaire (2005) de Franz West et Helmo Zobernig, le cinéma Capitole qui abrite The Arc of Ascent (1992) de Bill Viola, l’Hôtel Albert II, le Thermae Palace : une poésie se dégage d’Ostende, comparable à ces villes balnéaires surannées sinon que l’art, tant moderne que contemporain, s’y est pour un temps immiscé. L’exposition « Der Zee » ne peut voyager sans perdre en sens et en effet. Ostende possède une taille, une morphologie, une personnalité propres, la présence de la mer y est extrêmement marquée. Le front de mer, car c’est un front et non une promenade, accueille des œuvres contemporaines qui ne sont pas nécessairement les plus intéressantes mais dont le rapport au lieu interpelle, agit. Allez à Ostende. Laissez vos pas, vos sens et vos émotions vous guider. Il s’agit d’une expérience artistique unique, de ces moments rares de l’existence dont on ressort augmenté, durablement.

Photographie de Joseph Joseph Kosuth, The Location of Meaning, au Thermae Palace d'Ostende
Joseph Kosuth, The Location of Meaning, au Thermae Palace d’Ostende © Joseph Kosuth, photographie Hélène Bourguignon

Jusqu’au printemps, le chemin vers la mer et vers la « reine des plages » conduit aussi à l’art, et ceux venus pour Paul Cézanne repartiront peut-être avec l’envie de découvrir les photographies de Zoe Leonard, ou inversement. Les plus marqués et les plus convaincus se rendront au S.M.A.K. à Gand, s’ils ne longent pas la côte en direction de Dunkerque, où le Fonds régional d’art contemporain du Nord – Pas-de-Calais rend un hommage sensiblement différent. En tant qu’expert extérieur, Jan Hoet a participé à la constitution de la collection du Frac, qui possède grâce à lui un ensemble considérable d’œuvres d’Arte povera. L’exposition « Latin lovers » est consacrée à ce mouvement. À Dunkerque, comme à Ostende, « c’est la mer allée, avec le soleil [4] »

« La mer, salut d’honneur à Jan Hoet », Ostende, du 23 octobre 2014 au 19 avril 2015, un site Internet est dédié : http://www.dezee-oostende.be/fr ; « Latin Lovers », Frac du Nord – Pas-de-Calais, du 20 septembre 2014 au 29 mars 2015.

Trois publications permettent de mieux apprécier encore l’exposition « Der Zee » : un fascicule intitulé La Mer : salut d’honneur Jan Hoet, Ostende, 23.10.2014-19.4. 2015 est disponible au Mu.ZEE ; La Mer : salut d’honneur à Jan Hoet. Guide de promenade à Ostende, Gand, Borgerhoff & Lamerigts, 2014, 66 p., 7 € (très bien conçu et réalisé, il comprend, outre une biographie de Jan Hoet, des informations pratiques, une carte,  un « parcours » pour les enfants, et des explications concernant les œuvres exposées et les bâtiments historiques de la ville) ; le catalogue de l’exposition : Das Meer, The Sea, La Mer, De Zee : hommage Jan Hoet. Une exposition Jan Hoet & Phillip Van den Bossche, Gand/Ostende, Borgerhoff & Lamberigts/Mu.ZEE, 2014, 320 p., 45 €.

[1] La Mer : salut d’honneur Jan Hoet, Ostende, 23.10.2014-19.4. 2015, fascicule de l’exposition, p. 2.

[2] Phillip Van den Bossche dans La Mer : salut d’honneur Jan Hoet. Guide de promenade à Ostende.

[3] James Ensor, Mes écrits, Liège, Éditions nationales, 1974, cité par Norbert Hostyn, James Ensor : la collection du musée des Beaux-Arts d’Ostende, Gand/ Paris, Ludion/ Flammarion, 1999, p. 18.

[4] Arthur Rimbaud, « L’Éternité… », Vers nouveaux, 1872.

Au 12 rue Mallet-Stevens

Vu de l'exposition "Propos d'Europe 13" (Aurélie Cenno, courtesy Fondation Hippocrène)
Vue de l’exposition « Propos d’Europe 13 ». (Aurélie Cenno, remerciements à la Fondation Hippocrène)

Pourquoi cheminer, un jour d’automne, jusqu’à cette impasse située au creux du 16e arrondissement parisien ? Une première raison est qu’elle porte le nom d’un architecte et designer français dont la célébrité fut malheureusement posthume. Robert Mallet-Stevens (1886-1945) réalisa notamment le pavillon du tourisme pour l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 ainsi que de nombreuses villas, comme la villa Cavrois à Croix (Nord) (1929-1932) ou la villa Noailles à Hyères (1925-1933), monument national pour l’une, association soutenue par l’État et dédiée à la promotion de jeunes artistes pour l’autre. De 1926 à 1934, l’architecte édifia plusieurs hôtels particuliers rue Mallet-Stevens, dont un ensemble occupant les numéros 9 à 12. Au 10, se trouve l’ancienne maison-atelier des sculpteurs Jan et Joël Martel et, au 12, sa propre agence, remaniée après la guerre, qui abrite la Fondation Hippocrène et accueille, jusqu’au 20 décembre, une exposition d’art moderne et contemporain, soit les deux autres raisons de cette promenade automnale.

Martin Boyce "Eyes", 2012 (courtesy the artist and David Roberts Collection, Londres)
Martin Boyce, « Eyes », 2012.
(remerciements à l’artiste et à la collection David Roberts, Londres)

Créée en 1992 par Jean et Mona Guyot, la Fondation Hippocrène, reconnue d’utilité publique, a pour mission de renforcer la cohésion entre jeunes européens, en soutenant financièrement des projets qui visent à former les jeunes à l’Europe ou à étendre la place de l’Europe dans les médias. En 2002, elle a ainsi initié un programme d’expositions d’art contemporain intitulé « Propos d’Europe ». Chaque année sont présentées des œuvres d’artistes européens provenant d’institutions également européennes. Fruit d’un partenariat avec la Fondation d’art David Roberts située à Londres, « Le Musée d’une nuit (Script for Leaving Traces) » permet au visiteur parisien de découvrir une trentaine d’œuvres de la collection du mécène : Sur la plage (1926) de Tamara de Lempicka, dont Robert Mallet-Stevens conçut l’atelier au numéro 7 de la rue Méchain dans le 14e arrondissement de Paris ; Ady (1935-1939) de Man Ray, qui était un ami de l’architecte ; ou encore Eyes (2012) de Martin Boyce, artiste inspiré par les travaux non seulement des frères Martel mais également de Robert Mallet-Stevens, comme en témoigne la typographie utilisée à la fois dans l’œuvre exposée et pour le nom de la rue visible depuis la même pièce…

« Le musée d’une nuit (Script for Leaving Traces) », du 3 octobre au 20 décembre 2014, Fondation Hippocrène, 12 rue Mallet-Stevens, 75016 Paris, du mardi au samedi de 14 h à 19 h, entrée libre, livret de présentation.

Les voyages pittoresques du baron Taylor

Ce diaporama nécessite JavaScript.

« Si les choses vont encore quelques temps dans ce train, écrivait Victor Hugo en 1825, il ne restera bientôt plus à la France d’autre monument national que celui des Voyages pittoresques et romantiques, où rivalisent de grâce, d’imagination et de poésie le crayon de Taylor et la plume de Nodier [1]. » Pas moins de trois expositions parisiennes traitent actuellement de ce projet démesuré et de ses initiateurs : « La fabrique du romantisme, Charles Nodier et Les Voyages pittoresques » au Musée de la vie romantique et, à deux pas de l’Hôtel Scheffer-Renan, à la Fondation Taylor, « Le baron Taylor (1789-1879) à l’avant-garde du romantisme », suivie des « Voyages pittoresques et romantiques dans l’ancienne France ».

À l’occasion des cent soixante-dix ans de sa création, la Fondation Taylor, dédiée à l’art contemporain, rend hommage à son fondateur, illustre en son temps, méconnu aujourd’hui. Cette regrettable trajectoire, peut-être causée par la seule faiblesse des œuvres littéraires du baron, mérite d’être inversée. L’exposition de la Fondation, qui réunit une centaine d’œuvres et bénéficie de nombreux prêts, se compose de cinq parties qui traitent respectivement des Voyages pittoresques ; de l’homme de théâtre, puisque le baron Taylor fut administrateur de la Comédie-Française et, dans cette fonction, permit la victoire du romantisme face au classicisme avec la représentation d’Hernani de Victor Hugo (1830) ; de ses voyages en Égypte au cours desquels il négociera notamment l’obélisque de Louxor qui orne la place de la Concorde depuis 1836 ; de la constitution, à la demande de Louis-Philippe, d’une collection impressionnante de peinture espagnole, malheureusement dispersée après l’abdication du roi en 1848 ; enfin, de la création de sociétés de secours mutuels réunissant respectivement les artistes dramatiques, les musiciens, les artistes plastiques, les professeurs, et les inventeurs et artistes industriels. La Société des gens de lettres et celle des auteurs dramatiques, qui existent encore aujourd’hui, reçurent en outre fréquemment son soutien. « Je dis que ces associations […], s’écriait Victor Hugo à la tribune de l’Assemblée nationale, ont rendu d’immenses services. Elles embrassent la famille presque entière des artistes et des écrivains. Elles ont des caisses de secours qui nourrissent des veuves, des orphelins. […] Elles font pénétrer les bienfaits plus avant que ne peut le faire le gouvernement. Elles peuvent faire accepter fraternellement des aumônes très modiques que l’État ne pourrait pas s’offrir décemment ; c’est-à-dire qu’elles peuvent faire beaucoup plus de bien avec moins d’argent. [2] » Promoteur des droits de la propriété littéraire et artistique, le baron Taylor, le « père des artistes » comme il fut nommé, se souciait non seulement de donner aux artistes les moyens de créer, mais également de mettre l’art à la portée de chacun et de « pousse[r] les Beaux-Arts de la France vers les premiers rangs des Beaux-Arts en Europe [3] ».

L’exposition de la Fondation Taylor débute avec Les Voyages pittoresques et romantiques dans l’ancienne France car le projet, inachevé, remonte à 1811. Il s’agissait de présenter, par des textes et des lithographies (technique alors nouvelle), les monuments français, afin de faire prendre conscience de ce patrimoine et ainsi lutter contre sa destruction. À la mort du baron Taylor en 1879, l’œuvre représentait vingt et un volumes et plus de trois mille planches, réalisés par quelques centaines d’artistes, parmi lesquels Horace Vernet, Jean-Baptiste Isabey, Théodore Géricault, Eugène Viollet-le-Duc. Ainsi, bien avant André Malraux et quoique dans un esprit différent, Alphonse de Cailleux, Charles Nodier et le baron Taylor eurent à cœur d’inventorier les richesses des régions françaises, que ce fût la Picardie, la Normandie, la Bretagne ou la Franche-Comté, et chaque folio fut accueilli avec un même enthousiasme.

Comme en témoignent les planches reproduites ici, l’esthétique compte autant que la précision architecturale ou historique. Pour rendre la lecture des ouvrages agréables et susciter l’émotion, les artistes n’hésitent pas à introduire des personnages, à suggérer par des détails une atmosphère particulière, à magnifier la réalité, conférant leur sens fort aux qualificatifs « pittoresques » et « romantiques » de ces voyages. D’aucuns ont parlé de la création d’un védutisme des monuments français, inspiré du genre pictural qui se développe en Italie, et notamment à Venise, au 18e siècle. « La pensée des artistes qui ont entrepris la description de nos vieux monuments était de reproduire des effets et de développer des sentiments », notait ainsi l’écrivain Henri de Latouche en 1821 [4]. Sont-ils également parvenus à mettre fin au vandalisme ? Si les abbayes de Jumièges et de Saint-Wandrille ont été préservées, bien des demeures historiques n’existent plus que sous la forme de lithographies, que les trois expositions, de qualité, invitent à découvrir ou redécouvrir.

« Le baron Taylor (1789-1879) à l’avant-garde du romantisme », du 2 octobre au 15 novembre, suivie des « Voyages pittoresques et romantiques dans l’ancienne France », du 6 novembre 2014 au 17 janvier 2015, Fondation Taylor, 1 rue La Bruyère, 75009, Paris, du mardi au samedi de 14 h à 20 h, accès libre ; « La fabrique du romantisme, Charles Nodier et Les Voyages pittoresques », du 11 octobre 2014 au 18 janvier 2015, Musée de la vie romantique, 16 rue Chaptal, 75009, Paris, du mardi au dimanche de 10 h à 18 h ; visite guidée des deux expositions les samedis.

 

[1] Victor Hugo, « Sur la destruction des monuments en France » (1825), Guerre aux démolisseurs, Montpellier, L’Archange minotaure, 2002.

[2] Victor Hugo, Almanach des lettres et des arts, Paris, sans éditeur, 1850, p. 71, cité dans Juan Plazaola, Le Baron Taylor : portrait d’un homme d’avenir, Paris, Fondation Taylor, 1989, p. 169.

[3] Lettre du baron Taylor à son collaborateur Adrien Dauzats, le 29 juillet 1846, cité dans ibid., p. 167.

[4] Henri de Latouche, Minerve littéraire, 1821, t. II, p. 17, cité dans ibid., p. 72.